Tuttuista esineistä ja kuvakkeista itseoppisiin ja tutkittavissa oleviin
Jasper Johns (1930–) on yksi sukupolvensa haastavimmista, vaikutusvaltaisimmista ja omaperäisimmistä taiteilijoista. Tänä keväänä Los Angelesin laaja museo kokoaa uransa kaikista vaiheista teoksia suurnäyttelyyn”Jotain totuutta muistuttavaa”. Näyttely tarjoaa ainutlaatuisen mahdollisuuden pohtia taiteilijan koko saavutuksia Pop-aikakauden kuvakkeista. kohteita ja lippuja hänen myöhempiin, introspektiivisempiin omaelämäkerran maalauksiin.
Vähemmän tunteita, kiitos
Johns aloitti uransa kuuluvalla roiskeella, kun hänen vuoden 1958 New York -debyytinsä Leo Castelli -galleriassa houkutti hänet amerikkalaisen taiteen eturintamaan. Näyttely loppui, ja useat maalaukset menivät modernin taiteen museoon.
Seuraavana vuonna Time-aikakauslehti kehottaisi häntä”upouudenaksi taidemaailman kirkkaaksi, hauraaksi avantgardeksi”. Johns näytti näyttelyssä kaupungissa, jossa abstrakti ekspressionismi kiihtyi, ja käänsi selkänsä maalareiden romanttiseen, eleelliseen lähestymistapaan. kuten Motherwell ja de Kooning, väitteillä syvästä merkityksestä ja raa'iden tunteiden omaksumisesta.
"En halua, että työni on altistumista tunneilleni", sanoi Johns. Sen sijaan hän teki maalauksia ilmeisimmistä ja banaalisimmista aiheista - kohteista, lipuista ja numeroista - modernin elämän tavallisista opastuksista ja arkipäivän symboleista.
Sen sijaan, että sukeltaisiin alitajuntaan tai käydä kauppaa epäselvien viitteiden kanssa, hän maalasi aiheita, jotka olivat, kuten hän sanoo,”asioita, jotka mieli jo tietää.” Maalauksista tuli pikemminkin esineitä kuin merkityksiä tai ikkunoita taiteilijan sielulle.
Tietoja lipuista
Maalaamalla lippua, maalauksesta itsestään tuli lippu, samoin kuin maalauksena lipusta. Kun kohde ja esine sulavat yhdeksi, katsojaa kutsuttiin tarkastelemaan pohdintaa ja poistumista kuvasta, joka ei yleensä komenna tällaista huomioa.
Kuitenkin Castellin gallerian muodikkaissa, koskemattomissa valkoisissa seinämissä, Johnsin kuvat olivat käskeviä ja visuaalisesti loistavia, rikastettuja rikastuttavilla kaiverruspinnoilla ja niissä oli ravisuttava väri. Banaalista näytti siltä, että se saattoi myös tulla beguiling, aistillisesti tyydyttävä ja erittäin toivottavaa.
Lisäksi maalaukset näyttivät esittävän joitain erittäin mielenkiintoisia kysymyksiä taiteen luonteesta. Mikä on teoksen ja sen aiheen suhde? Pitäisikö taideteoksen tarkoittaa jotain?
Joihinkin näistä kysymyksistä alkoi saada vastauksia Johnsin käytännöstä tutkia hänen kuviensa useita toistoja. "Ota kuva / tee jotain siihen / tee jotain muuta siihen", hän kirjoitti luonnokseensa.
Sen piti olla ohjaamattomien ja ehkä omituisten variaatioiden ohjelma, tutkimus, joka vain näki mitä tapahtui, kun Johns leikkii kuvan eri puolilla. Numerot voidaan tehdä suuriksi tai pieniksi; ne voivat olla värillisiä tai yksivärisiä; ne voidaan asettaa päällekkäin tai asettaa riviin.
Samoin lippu voidaan tehdä millä tahansa värisarjalla, missä tahansa mittakaavassa. Näiden perusparametrien muutokset todellakin aiheuttivat muutoksia kuvien ulkoasussa, tunteessa ja tuonnissa.
Pyydettyään vuonna 1969 osallistumaan Vietnamin sodan lopettamista koskevaan moratoriumiin, Johns teki lippukuvan, joka on maalattu täydentävissä väreissä. Punaisesta, valkoisesta ja sinisestä tuli vihreä, musta ja oranssi, ja kuva muuttui hälyttäväksi ja vieraantuneeksi.
Miten Jasper Johns
Kuinka niin nuori taiteilija pystyi keksimään niin radikaalin ja houkuttelevan teoksen tehdä maalauksia, jotka siirtäisivät välittömästi koko taidemaailman kentän? Kuten suurin osa menestyksistä, se ei tapahtunut aivan yön yli, vaikkakin tässä tapauksessa alku oli kaukana suotuisasta.
Eteläiselle maanviljelijälle syntynyt Johns sekoitettiin useiden perheenjäsenten joukkoon sen jälkeen kun hänen vanhempansa olivat eronneet. Hän asui useita vuosia tätin kanssa maaseudulla, josta puuttui sekä sähkö että puhelinpalvelu. Pienenä piirtämisenä poikana hän halusi tulla taiteilijaksi, mutta hänellä oli vaikeuksia löytää koulutus.
Vuonna 1951, muutaman lukukauden jälkeen Etelä-Carolinan yliopistossa, hän saapui New Yorkiin, missä hän ilmoittautui Parsons School of Design -tapahtumaan, ja vain muutama kuukausi myöhemmin hän jättäytyi tukemaan itseään lähettiläänä ja lähetysvirkailijana. Hänet valittiin armeijaan, jossa hän palveli kaksi vuotta, ja vuonna 1953 hänet vapautettiin ja matkusti jälleen New Yorkiin.
Tällä kertaa hän ilmoittautui Hunter Collegeen vain lähteäkseen yhden päivän kuluttua ja ottamaan työtä valtavan Marboron kirjakaupan yövuorossa. Tänä aikana Johns alkoi tavata taiteilijoita John Cagen ja Merce Cunninghamin piirissä ja sen ympäristössä.
Tärkeimmin hän aloitti ystävyytensä useita vuosia vanhemman taiteilijan Robert Rauschenbergin (1925–2008) kanssa, josta tulee hänen mentori ja kumppani seuraaville useille vuosille. Rauschenberg tuki itseään freelance-ikkunoiden valmistuksessa, lukemalla asiakkaidensa joukkoon tavaratalo Bonwit Teller.
Johns jätti työnsä auttamaan Rauschenbergia, ja seuraavien vuosien aikana molemmat taiteilijat tekivät tiivistä yhteistyötä sekä ikkunoiden koristeluun että taiteen tekemiseen. On houkuttelevaa spekuloida, että ikkunakakkurin vastuut - esitellä makuisia, viihdyttäviä ja visuaalisesti tyydyttäviä silmälaseja suurelle yleisölle - kehittivät Johnsissa herkkyyden, joka siirtyisi onnellisesti hänen taiteeseensa.
Unelman inspiroima
Johns alkoi tehdä lippu maalauksiaan, jotka olivat alun perin inspiroituneita, hän sanoo, unesta. Hän aloitti ensimmäisen maalauksensa emalilla, mutta muuttui pian enkaustisiin, rakentaen runsaasti kuvioituja pintoja.
Yksi näiden kuvien varhaisista esiintymisistä oli Bonwit Tellerin ikkunassa vuonna 1957. Muut ilmestyivät ryhmänäyttelyissä, mutta he eivät kiinnittäneet huomiota siihen asti, kunnes taidekauppias Leo Castelli vieraili Johnsin parvella ja tarjosi heti näyttelyn.
Castelli tunnusti tärkeän ja omaperäisen taiteilijan lisäksi myös kykynsä ja energiansa promoottorina aloittaakseen uransa. Näyttelyitä seurasi Pariisissa ja Japanissa, keräilijät horjuivat ja hinnat nousivat.
Tällainen menestys ei tule ilman sen heikentäjiä, ja abstraktien ekspressionistien maalarit tuskin olivat tyytyväisiä jakamaan parrasvaloa. Eräänä päivänä Johns kuuli, että de Kooning oli valittanut Castellista sanoen: "Se narttupoika - voit antaa hänelle kaksi olutölkkää ja hän voi myydä ne."
Johns oli kiinnostunut. "Mikä veistos, kaksi olutölkkiä", hän muisteli ajatteluaan. "Minusta tuntui sopivan täydellisesti tekemiini, joten tein heille - ja Leo myi ne."
Osa popista
Yleisesti ottaen Jasper Johnsin varhaista työtä pidetään osana Pop Art -liikettä, löysää ryhmää, johon kuuluivat Rauschenberg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist ja Wayne Thiebaud, jotka kaikki sisällyttivät kuvat populaarikulttuurista kuvataiteeseensa.
Johnsin työ erottuu kuitenkin muodollisesta vaatimusprosessistaan ja tiukasta ironistaan, ominaisuuksiin, joiden piti vaikuttaa seuraaviin minimalismin ja käsitteellisen taiteen liikkeisiin. Johns säilytti lähestymistapansa 1960-luvun alkupuolella työskentelemällä banaalisilla ja laajalti tunnistettavilla kuvioilla - mukaan lukien aakkosten kirjaimet ja Yhdysvaltojen kartat - erilaisissa mittakaavoissa ja väreissä.
Vähitellen hän kuitenkin laajensi tutkimustaan tuottaen useita teoksia, jotka yhdistivät esineitä, jotka olivat kuvanneet maalauksessa. Esimerkiksi Fools-talon pintaan ruuvataan luuta, jota oli käytetty tekemään pyyhkäisykaari maalauksen läpi.
Tässä teoksessa meillä on jälleen kerran se, mikä näyttää olevan tarkoituksellisesti banaalia kuvanmuodostusta, jossa taiteilija tarjoaa vain mekaanisen välineen kuvan tekemiseen. Se on hyvin linjassa taiteilijan ajatuksen kanssa luovan teoksen ohjaajana tai valvojana eikä jonkinlaisena sielunpitäjänä.
Tässä maalauksessa luuta on merkitty myös kirjallisesti, samoin kuin maalauksen pohjasta roikkuva kuppi ja pintaan liimattu pieni paarit ja pyyhe. Kaikki, maalaus vaatii, on vain mitä se on eikä enää.
Vähitellen Johns alkoi sisällyttää maalauksiinsa kuvia ja esineitä, jotka näyttävät toimivan perinteisemmällä tavalla, symboleina, jotka osoittavat henkilökohtaisempia ja monimutkaisempia merkityksiä. Tämä saattaa heijastaa taiteilijan tunnevaikeuksia sen jälkeen, kun hänen suhteensa Rauschenbergiin katkesi vuonna 1961.
Lisää henkilökohtaisia forayja
Ajan myötä Johnsin työ alkoi uskaltaa henkilökohtaisemmalle ja vähemmän tavoitettavalle alueelle. 1970-luvulle mennessä hän alkoi käyttää näennäisesti abstrakteja kuvia, jotka kuitenkin sisältävät kaikenlaisen viittauksen. Erityisesti ristikkokuvio esiintyy monissa maalauksissa, kuten nimettömässä, vuodesta 1975.
Vaikka alkuperäistä inspiraatiota ei tunneta, taiteilija löysi samanlaisen aiheen Edvard Munchin maalauksessa. Aihe tuntuu abstraktilta, mutta joidenkin nimikkeiden, joissa Johns työskentelee ristisorvausta, otsikot osoittavat, että maalaukset koskevat kuolleisuutta, teemaa, joka toistuu hänen teoksissaan jatkuvasti viime vuosikymmeninä.
Johns on lainasi myös muita taiteilijoita työssään, aina Grünewaldista ja Leonardoista Picassoon ja Duchampiin. Monet Johnsin myöhäisistä teoksista esittävät itsensä hämärtyvinä arvoituksina, ja taiteilija itse on yleensä pidättänyt kommentoida kuviensa tuontia, jättäen kriitikot ja katsojat tutkimaan mahdollisuuksiaan.
Esimerkiksi kesällä maalauksen oikea puoli on pinottu Johnsin aikaisemman teoksen kuvioilla, mukaan lukien siitoskuvio, erilaiset liput ja Mona Lisa. Maalauksen vasemmalla puolella oleva taiteilijan varjon tyhjä harmaa muoto saa ruumiin ääriviivan merkityksen murhapaikalla. Maalaus näyttää heijastavan taiteilijan elämän ja taiteen suhteellista arvoa, mutta johtopäätökset ovat edelleen hämäriä.
"Minusta tuntuu", taiteilija sanoi vuonna 1988, "ei koskaan voida antaa kattavaa lausuntoa. Yksi jatkaa asioiden tekemistä - tätä, toista ja toista - ja sitten se pysähtyy.”
Nykypäivät
Riippumatta hänen 1980-luvun kuolevaisuuden näkemyksistään, Jasper Johnsille on myönnetty pitkä elämä ja hän on jatkanut omaelämäkerran luomista. Untitled-lehdessä, vuosina 1992–1994, hän esittelee suuren kankaan erittäin somber-paletissa, jossa on piirroksia isoisänsä talosta, jossa hän asui lyhytaikaisesti lapsena.
Sävellys ja sen hajanaiset kuvat ovat helppoja tulkintoja, ja ilman taiteilijan lopullista kommenttia voimme vain olettaa, että teos on jonkinlainen meditaatio hänen lapsuudestaan.
Pitkän uran aikana näyttää siltä, että olemme siirtyneet kokonaan maalauksista”asiat, jotka mieli jo tietää” tavaroihin, joita “vain taiteilija tietää”. Kiehtovasti, varhaisen teoksen erilaiset muodolliset kokeilut ja variaatiot rakensivat maalari kieli, jota taiteilija käyttää myöhemmin ilmestyneisiin loppupäätelmiin.
Kaukainen varhaisen teoksen ironiasta on kiistaton tunteellinen sitoutuminen hänen myöhäiseen maalaukseensa, värin ja sävyn ilmaisevan voiman käyttö sekä elegiakkisen ilmapiirin saavuttaminen, joka välttää samaan tapaan sentimentaalisuuden.
Mikään näistä ei olisi ollut mahdollista ilman hänen varhaisia läpimurtoja ja muodollisia kokeiluja. Jos työn kokonaisuus on muuttunut, se vain vahvistaa, että todistamme laajaa ja vakavaa luovaa yritystä. "Toivotaan jotain, joka muistuttaa totuutta", sanoi taiteilija vuonna 2008, "jonkin verran elämän, jopa armon, tunne välähtää ainakin teoksessa."