Pastelli: Itse Nykyaikaisissa Omakuvissa

Useat vakiintuneet nykytaiteilijat ovat lähestyneet omakuvien aiheita eri tavoin kuvaten kuka he ovat tai kenet he haluavat olla eri aikoina elämässään.

kirjoittanut Ephraim Rubenstein

Omakuva, Matisse-painatus

kirjoittanut Mary Beth McKenzie, 1991, öljy, 32 x 26.

Kokoelma Metropolitan Museum

of Art, New York, New York.

Mary Beth McKenzie seisoo peiliin päin, avoimesti ja yksinkertaisesti, kiehtovalla sekoituksella sekä kyselemällä että lausumalla jotain itsestään. Hän projisoi tunne pitkäaikaisesta kärsivällisyydestä, johon on sekoitettu tarpeeksi epäselvyyttä muutamiin itsensä koskeviin kysymyksiin tunkeutuakseen. Hän työllistää tutun omakuvan trope - sijoittaen itsensä ihailun teoksen kopion eteen. Tässä tapauksessa se on Matissen The Studio, Quai St. Michel, Pariisi. Matisse-maalaus on eräänlainen omakuva, miinus itse, taiteilija on noussut ylös ja hetkellisesti poistunut studiosta. Mutta malli ei ole muuttunut. Hän pitää edelleen poseeraa, ja Matissen tuoli ja piirustus odottavat uskollisen koiran tavoin hänen välitöntä paluutaan - mutta ei ennen kuin McKenzie on liukunut sisään ja viihtynyt Matisseen paikkaan tässä taiteilijakuvassa hänen studiossaan.

McKenzie on kuitenkin tehnyt enemmän kuin tullut osaksi Matissen maalausta. Ranskan mestarin maalauksesta on tullut osa häntä. McKenzie on sisällyttänyt Matissen lyyrisen kuvan sisällöllisesti, pilkottu ja järjestänyt uudelleen, mutta tällä kertaa hänen omilla ehdoillaan. Kuten ajatuskuplat graafisessa romaanissa, Matissen maailman elementit näyttävät tulevan ulos McKenzien päästä. Ikkunan reunan diagonaali ampuu ulos otsastaan, kun taas alastomalli roiskuu käytännössä korvastaan. Lisäksi valtavalla kuvallisella älykkyydellä McKenzie on suhteuttanut maalauksensa kaikki sävyt Matisseen. Yleinen harmaus - niin muistuttaa Pariisin talvea - välittyy hänen kasvonsa varjopuolella olevista okkreista, jotka McKenzie on ottanut drapeeristä ja tuoleista, kun taas silmänsä alapuolella oleva vaaleanpunainen punainen on lainattu mallin alla olevasta kankaasta..

McKenzie - kuten Rembrandt ja Käthe Kollwitz ennen häntä ja kuten tänään Harvey Dinnerstein ja Sigmund Abeles - on maalannut itsensä jatkuvasti uransa ajan. Tämä teos muodostaa liikkuvan aikakauden hänen taiteellisesta ja henkilökohtaisesta kehityksestään, kertoo hänen henkilökohtaisista muutoksistaan ja arkistoi hänen elämänsä ajan taiteilijan alusta alkaen nykyhetkeen.

Omakuva

kirjoittanut Ephraim Rubenstein, 1970, öljy liinavaatteisiin, 24 x 20.

Kokoelma Amelia ja

Madeleine Rubenstein.

Tämä jatkuva palaaminen omakuviin on kuitenkin epätavallinen sitoutuminen pyrkimykseen. Suurimman osan taiteilijoiden omakuvia näyttää kokoontuvan joko heidän nuoruutensa tai vanhuutensa ajan tai Shakespearen sanoin heidän sisäänkäyntiensä ja poistumistensa perusteella. Tyypillisimmin taiteilijoista, jotka ovat kiinnostuneita omakuvista, on aktiivisuus harhailla nuorten ollessa. Tämä edustaa usein aloittavaa yritystä selvittää, keitä he ovat - tai mikä tärkeämpiä - ketkä he haluavat olevansa. Sisäänkäyntien osalta kukaan ei ollut romanttisempi kuin Courbetin tai Fantin-Latourin kuvat, jotka ilmaisevat halua olla heidän unelmiensa väkevät sankarit. Muistan elävästi, että maalatessani omakuvasi olin juuri nähnyt Goyan näyttelyn, ja muistan ajattelen, että nuorena espanjalaisena aatelisena sovitin minua paljon paremmin kuin ollessani käsipalloa pelaava lapsi Brooklynista. Vaihtoehtoisesti David Kassan omaa varhaisen egoottoman persoonallisuuden varhaisessa omakuvassaan. Silmät käännettynä, tummennetut pussit alapuolella antavat väsyneen ahdistuksen tunteen, hän tarkoituksella välttää projisoivan aktiivisesti katsojaa. Itse asiassa näyttää siltä, että hän pystyisi takaisin maalauksesta kokonaan, hän todennäköisesti tekisi. Mutta vaikka he tulkitsevatkin itsensä, nuoret ovat tunnettuja siitä ajasta, jonka he viettävät peilien edessä. Joten omakuvien tekeminen monille taiteilijoille on tapa olettaa identiteettejä, kokeilla rooleja pelata, kun jokainen mies omalla ajallaan pelaa useita osia.

Jotkut taiteilijat tutkivat elämän toista loppua, mutta tutkivat, mikä heistä on tullut, hiukan hämmästynyt kertomus siitä, mitä elämä on heittänyt tiensä. Sigmund Abeles kohtaa meidät kummittelevasti Parasomniacin muotokuvassa, joka on upotettu nykyaikaisen lääketieteellisen maailman johtoihin ja vankilaverkkoihin. Abelan on varmasti ihmetettävä, voiko hän olla sama mies, joka katsoi meihin niin komeasti ja voimakkaasti kuin omakuvassaan Mittaaminen ylös [ei esitetty]. Burton Silverman selvisi samalla tavoin lääketieteellisestä painajaisesta - hänen tapauksessaan sydänkohtauksesta - ja hän kuvaa itseään sellaisena omakuvassaan Survivor. Mutta toisin kuin Abeles, Silverman on hyvin katastrofin toisella puolella. Harjat ja kamera kädessä, Silverman on nyt palannut töihin, mutta muuttunut ikuisesti. Hänen paidansa on raivoissaan, muistutus siitä, että kirurgien oli leikattava paljaalle rinnalleen pitääkseen hänet hengissä, ja että paitumattomalla ei voi koskaan olla samaa merkitystä hänelle.

Parasomniacin muotokuva

kirjoittanut Sigmund Abeles, 2007, pastelli paperilla, 31 x 41.

Kokoelma taiteilija.

Silvermanille lääketieteellinen jakso on vain tausta; Tärkeää on, että hän on palannut töihin. Ja työssä oleminen on yksi tärkeimmistä tavoista, joilla taiteilijat kuvittelevat itseään. Useimmille taiteilijoille työmme on sen ytimen keskuudessa, joka meistä tuntuu olevan. Kuten yksi New Yorkin taideopiskelijoiden liigan ohjaaja totesi, "minulla on kahdentyyppisiä housuja: sellaisia, joissa on maalattu, ja sellaisia, jotka tulevat maaliin." Elämme töissä ja näkemällä itse työssämme kuvittelemme itsemme selkeimmin. Mikä olisi ehkä enemmän sanottavaa tutkiessaan kuka olemme kuin kuvaamalla itseämme molbertilla?

Talvella 2006 Ellen Eagle on töissä, punainen liitu kädessä, kiinni siinä jaksossa katselun ja nauhoituksen välillä. Hän kuvaa graafisen vastauksen hetkeä - maalaajalle tärkeätä hetkeä. Eagle on kuvannut hetken, kun näemme etsimämme ja kun siirrymme tallentamaan sen. Se on se hetki, jolloin meillä on havainto mielessämme riittävän kauan, jotta voimme muuttaa valomme kuvan värillisen liidun kohdalle.

Kreikkalaiseen valkoiseen mekkoonsa, joka on niin yksinkertainen taitoksessaan, että se lukee kuin muinainen kaapu, ja tummat hiuksensa täynnä rikkaita kiharoita ja renkaita, jotka pyörittelevät hänen kasvonsa puolella, Eagle paljastaa olevansa jumalatar, joka aikoo lakkoilla. Hän on Diana metsästyksessä, hänen oikea käsi pitää hänen värilliset nuolensa. Hän on sieppaamassa saalistaan, vain tällä kertaa se olet sinä, hoitaja.

Omakuva - päivän päättyminen

kirjoittanut Joe Peller, 2003, öljy pellavaan, 72 x 44. Yksityinen kokoelma.

Joseph Peller on myös töissä, mutta hän ei aio niin paljon lakkoon kuin etsii tekemiään. Omakuva - Päivän pää on kertomuksellinen otsikko. Hän tarkastelee tarkkaa valvontaa, mutta myös ilmiselvällä mielihyvällä saavutuksensa suhteen. Urheilijan / soturin pääpanta puhuu työstä, hikeestä ja työstä, monista jalkoihin vietetyistä tunneista. Ja vaikka Eagle käyttää nuolia, Peller hallitsee miekkoja. Mutta Peller's on erittäin sivistynyt taistelu. Hän on istuttanut itsensä tiukasti studionsa keskelle, tilaan, joka on täynnä upeaa pohjoisvaloa ja muita maalauksia ja veistoksia, palkintoja muista hedelmällisistä päivistä.

Muiden taiteilijoiden maalauksien pitäminen ympärillämme on yksi tapa viitata taiteelliseen linjaamme. Sisällyttämällä maalauksiemme taiteeseen taiteilijoiden teoksia, joita ihailemme, emme vain ilmaise kiitollisuuttamme näille mestarille, vaan myös vedomme vaatimukseen omista toiveistamme ja tavoitteistamme. Anthony Panzera korostaa tätä käsitettä taidehistoriallisesta viittauksesta työntämällä itseään suoraan aikaisempaan kuva-ajatukseen. Pansaassa kunnioitetaan Caravaggioa omakuvanaan Meduusana kunnioittamalla hänen kasvojaan tällä tunnetuimmalla Gorgon-sisaruksella.

Jos Eagle on jumalatar, joka lyö lakkoa, niin Panzera on se, joka on taisteltu villisti. Hänen pyhässä temppelinsä raiskaamisen "rikoksesta" Athena teki kauniin Medusan kauhean. Siellä missä rehevät tummat kiharat kehystyivät kerran hänen kasvonsa, Athena aiheutti rypistyvien myrkyllisten käärmeiden itämisen. Hän teki piirteistään kauhistuttavan, puoliksi sulavan, kipeästi ajettavan niin paljon, että kukaan ei voinut katsoa Meduusta kääntymättä kiviin. Ainoa kun Perseus katkaissi Medusun pään ja esitteli sen Athenalle, jumalattaren viha salamurhautui. Tässä vaiheessa Panzera on vihjannut oman traagisen kasvonsa. Pään roikkuessa Perseuksen mahtavasta otteesta, liha kuorii pois pääkallostaan, kun kauheat mutta tyylikkäät käärmeet rypistyvät edelleen täyttääkseen julman kohtalonsa.

Panzera's Gorgon on erittäin dramaattinen tapa viitata omaan taiteelliseen linjaansa. Vuoden 1994 omakuvassa Costa Vavagiakis viittaa yhtä henkilökohtaisesti esteettisiin ja kulttuurisiin juurtensa, mutta hienoimmalla tavalla. Vavagiakisin elinikäinen kiinnostus muotokuvia kohtaan johti hänet varhain Faiyumin muumiokuviin - Roomassa ensimmäisellä vuosisadalla asuneiden kreikkalaisten maahanmuuttajien hautajaiskuntaan. Hän tunsi heti, kuten useimmat katsojat, heidän ilkittämättömistä paradoksaalisista ominaisuuksistaan: yhdistelmän hienostuneisuutta naiiviin hankaluuteen, muodollisen voimakkuuden ja vähäpätöisen rentoutumisen sekä kiusallisen elämällisen laadun ja selkeän tyylityksen yhdistelmän. Nämä muinaiset kasvot estävät teidät teidän raitoillanne, koska näit jonkun, joka näytti täsmälleen siltä, vaikka he ovat olleet kuolleita 2000 vuotta.

Nämä paradoksaaliset ominaisuudet vetosivat valtavasti Vavagiakisiin, ja yrittäessään yhdistää oman henkilökohtaisen historiansa laajempaan taidehistoriaan, hän teki itselleen oman muumiokuvan aiheen. Vaikka Vavagiakisin muotokuva on maalattu öljyllä, hän sai siveltimensä muodostumisen näyttämään Faiyum-kiusalliselta. Kun hänen kasvonsa työnnetään eteenpäin oikealle kuvatasoon asti ja hänen piirteensä korostui samalla tavoin kuin katsojan pyynnössä pysähtyä hetkeksi ja keskustella, mikä voisi olla myötätuntoisempi kuoleman ja iankaikkisen elämän meditaatio kuin mitä taiteemme meille antaa. ?

Öiset heijastukset

kirjoittanut Harvey Dinnerstein, 2008, öljy, 24 x 42. Kohteliaisuus Frey Norris Gallery, San Francisco, Kalifornia.

Kuoleman pohtiminen tulee yhä kiireellisemmäksi vanhetessamme, kun varaudumme omaan poistumiseemme. Harvey Dinnersteinin yölliset heijastukset sisältävät molemmat kirjaimelliset heijastukset - oman varjoisa kuvansa, joka on pakattu yhteen näistä metallista lieriömäisistä sarakkeista, joita nähdään kaupungista metroasemilla ja toimistojen aulaissa - ja myös heijastuksen elämän lyhyisyydestä, kuten yksi kaupungin näkee herkimmät matkustajat. Ja matkustaja, jonka hän todellakin on - ulkona, matkalla yhteen monista kaupungin tuntemattomista asemista, keltaisilla liikennemerkeillä, jotka osoittavat hänen liikkeensa. Maalaus on meditaatio matkalle, miehelle, joka on tulossa heijastumaksi pylväässä, tuolle valon salamalle, joka on niin puristettu, että tuntuu siltä, että se aikoisi puristua maalauksesta ja liukastua pimeys.

Dinnerstein on pysähtynyt jonnekin matkallaan katsomaan meitä. Hänen silmänsä ovat hämmästyttäviä - punainen, turvonnut, vaaleanpunainen pistorasioissa, ja alla on täynnä laukkuja, joiden päällä on raskaita ryppyjä. Hänen silmänsä ovat silmiä, jotka ovat nähneet paljon. Hänen läsnäolonsa näyttää kysyvän. Mitä hän aikoo sanoa, tämä salaperäinen yömatkustaja takkissaan tien päällä?

Taiteilija ja kirjailija Ephraim Rubenstein on ohjaaja New Yorkin taidenopiskelijoiden liigassa ja National Academy of Design Schoolissa, molemmat New Yorkissa.