Yhtenä opiskelupiirustuksena voi olla hyödyllistä oppia aiemmin päässeiltä päälliköiltä saada inspiraatiota ja löytää tapoja lähestyä esiin nousevia haasteita. Niille, jotka löytävät piirtämisen, on useita pääluonnoksia, joista voi oppia.
kirjoittanut Naomi Ekperigin
|
|
| Madame d'Haussonvillen muotokuva
kirjoittanut: Jean-Auguste- Dominique Ingres, n. 1842, grafiitti, 9 3/16 x 7¾. Kokoelma Foggin taidemuseo Harvardin yliopistossa, Cambridge, Massachusetts. |
"Uskon, että piirtäminen on kaiken taiteen perusta", sanoo taiteilija Mary Reilly. Hän ei ole yksin tässä tunteessa. Monet taiteilijat uskovat, että piirtotaidot ovat ratkaisevan tärkeitä millä tahansa välineellä työskentelyssä, vaikka piirtäminen ei olisikaan ensisijainen asia. Alusta alkaen oli taiteilijoita, jotka arvostivat piirustuksia itsenäisinä teoksina. Nämä taiteilijat korottivat edelleen väliainetta ja osoittivat mahdollisuuksien laajuuden niille, jotka halusivat tutkia piirtämistä edelleen.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Ranskalainen uusklassinen maalari Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867) oli syntynyt piirtäjä. Hänen isänsä on varhaisesta iästä lähtien vaalinut piirtotaitojaan, ja 17-vuotiaana Ingres meni Pariisiin opiskelemaan Jacques-Louis Davidin alaisuudessa, joka oli Napoleonin virallinen”taivaanheilaari” Ranskan vallankumouksen aikana. Ingresin piirustukset ja muotokuvia tunnetaan parhaiten, vaikka renessanssimaalari Raphael ja itse lahjakas maalari ovat syvästi vaikuttaneet siihen.
Ingres muutti Italiaan vuonna 1808 voitettuaan Grand Prix de Rooman, Ranskan korkeimman taiteen stipendin. Siellä hän hioi käsityötään vanhojen mestareiden työn innoittamana. Tukeakseen itseään ja vaimoaan hän hyväksyi valtioilta maalauskomissiot ja valmisti satoja grafiittikuvia turisteille, matkustaville arvohenkilöille ja varakkaille ulkomaalaisille. Nämä pienet muotokuvat ovat”hienoja taideteoksia, jotka saavat aikaan ihmeen lahjakkuudesta, piirteistä, poseista, pukuista, ilmapiiristä ja luonteesta”, kirjoitti taidehistorioitsija Stephen Longstreet.”Ihmiset ovat todellisia. He hengittävät ja elävät vakaasti maan päällä.”
|
|
| Naisten lehtitutkimukset turkkilaiselle kylpylälle
kirjoittanut: Jean-Auguste- Dominique Ingres, n. 1830 kynä, ruskea muste ja grafiitti kahdelle liitetylle arkille, 6¾ x 4¾. Kokoelma Louvre, Pariisi, Ranska. |
Kyky vangita todellisuus johtui hänen teknisestä taitostaan ja perehtyneisyydestään anatomiaan. Tällaisella synnynnäisellä tiedolla ihmismuodosta taiteilija pystyi oikein levittämään verhot tavalla, joka seurasi kehon muotoa jokaisessa rypistyksessä ja taiteessa. Taiteilijan kyky tarttua samankaltaisuuteen tuli hänen omistautumisestaan tarkkuudelle, jota hän kehitti piirtämällä. Ingres oli pakollinen laatikko, joka kehotti opiskelijoita piirtämään silmillään, kun he eivät pystyneet tekemään niin lyijykynällä. Maalattuihin muotokuviin ja seinämaalauksiin hän teki joskus satoja valmistelevia piirroksia. Hän näytti pitävän tätä prosessin vaihetta tyydyttävämpänä kuin seinämaalausten varsinaista maalausta, josta hän joskus hylkäsi. "Vaiheet olivat: elämästä opiskelu, totuuden väänteleminen kokemuksesta, pilkkominen, suurentaminen, kuljettaminen kankaalle, paluu tarvittaessa takaisin mallille tätä tai sitä yksityiskohtaa", kirjoitti Avigdor Arikha JAD Ingres: Viisikymmentä elämäpiirrosta Muséesta Ingres at Montauban, näyttelyluettelo näyttelyyn Taidemuseossa, Houston. “Kysymällä kreiviltä Pastoretilta hanskojaan tai menemällä takaisin Madame Moitessierin vasempaan käsivarteen, piirtämällä se elämän kokoiseksi siirtämään se suoraan kankaalle ja palaamaan siihen uudestaan ja uudestaan. Tässä vaiheessa Ingres sairastui. Se oli liian hienostunut - melkein pakkomielteinen - menettely, jonka tavoitteena oli päästä lähemmäksi asian totuutta."
Kaikkien tasojen taiteilijat voivat oppia Ingren huomiosta yksityiskohtiin. Hänen työetiikka oli ihailtavaa, ja hän loi piirroksia, jotka olivat sekä teknisesti miellyttäviä että emotionaalisesti resonoivia.”Kaikista opiskelluista mestareista olen nauttinut Ingren työstä eniten”, Reilly sanoo.”Ingren suositut materiaalit olivat teräväkärkinen grafiittikynä ja sileä valkoinen paperi. Hän uskoi värin olevan vain lisävaruste piirustukseen. Hänelle piirtäminen ei ollut vain viivaa. Se oli ilmaisu, sisäinen muoto, sävellys ja mallinnus.”Juuri tämä näkemys on vaikuttanut 1900-luvun moderniin taiteeseen ja taiteilijoiden sukupolviin Degasista Dinnersteiniin.
|
|
| Istuva alaston nainen
kirjoittanut Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Kerää Metropolitan Taidemuseo, New York, New York. |
Pierre-Paul Prud'hon
Kuten Ingres, Pierre-Paul Prud'hon (1758–1823) tunnustettiin maalaritaideksi, mutta piirtäminen oli hänen työnsä perusta. Päivänä tunnetaan allelegorisista ja mytologisista maalauksistaan, nyt hänen figuuripiirronsa inspiroivat ja tainnuttavat katsojia. Taideopiskelijana Dijon-akatemiassa 1780-luvun alkupuolella Prud'hon omistautui tiukalle piirtokoulutukselle, jota pidettiin välttämättömänä kaikille niille, jotka toivoivat menestyksekästä taiteilijauraa. Académies - elävästä mallista tehdyt konfiguraatiotutkimukset - olivat tapa, jolla opiskelijat hioivat taitojaan suorittaen satoja näitä piirroksia siihen mennessä, kun he olivat valmiita harjoittamaan ammattiaan. Prosessi kesti vuosia, ja joukko tavoittelijoita poistettiin joko omistautumisen tai kykyjen puutteen vuoksi. Vaikka tämä tiukka ja pitkä koulutus voi vaikuttaa hankalalta nykypäivän opiskelijoille, nämä piirustuspiirrokset olivat ratkaisevan tärkeitä taiteilijoille, joista monet loivat nämä opinnot koko uransa ajan ideoita ja harjoittelua varten.
|
|
| Istuvan miehen académie
esittäjä (t): Pierre-Paul Prud'hon, mustavalkoinen liitu siniselle paperille, 14 9/17 x 10 ?. Kokoelma Museé Baron Martin, Harmaa, Ranska. |
Prud'hon oli yksi sellaisista taiteilijoista, ja enemmän kuin hänen aikakautensa hän tarttui akadeemioihin koko uransa ajan. Vielä huomattavampi on ehkä se, että Prud'hon tuli suosimaan näitä kuvapiirroksia valmiiden maalauksien sijaan, jopa uransa edetessä. Vuoteen 1788 mennessä taiteilija oli kehittänyt allekirjoitetut hahmot, jotka oli piirretty värillisellä liidulla sävytetylle paperille. Piirustukset ovat usein rakennettu useaan kerrokseen, mukaan lukien kuoriutuminen ja leveät kohdat, joissa soihdutetaan ja kannetaan. Sekoittamalla linjoja, ääniä ja erilaisia tekniikoita Prud'hon esitteli taiteilijoita kaikilla ilmeisillä mahdollisuuksilla liidulla ja paperilla. "Prud'honin opinnot välittävät vahvan tunnetilan", Reilly sanoo.”Hänen merkinnät näyttävät löysiltä ja vapailta, mutta ovat sijoitettu täydellisesti.” Hyväksyy taiteilija Kenneth Procter, “Prud'hon teki joitain piirroksia, joissa varjon ydin kulkee kuin raita koko poseerin pituudella, paljastaen kaikki lihaksen vivahteet. "Se on ehdottoman upeaa." Kun hänellä oli niin syvälle juurtunut tieto ihmiskehosta, hän pystyi keskittymään aiheeseensa ja upottamaan häntä elämään, merkitsemään nopeasti ja reagoimaan välittömästi omiin ajatuksiinsa murehtimatta anatomiasta tai verisimiliteetistä.
Varhaisessa iässä Prud'hon lisäsi nimensä”Paavali” flaaminkielisen maalari Peter Paul Rubensin (1577–1640) kunniaksi, joka oli myös mestarin valmistelija. Prud'hon jakoi taiteilijan rakkauden ihmishahmoon ja syvällisen tietämyksen anatomiasta, mutta tässä heidän hedelmällisyytensä päättyvät. Rubens oli barokkityylien kannattaja, joka oli tunnettu painottamisestaan väriin, ylenmääräisiin yksityiskohtiin ja dynaamiseen liikkeeseen. Prud'hon puolestaan riisui dramaattiset liikkeet ja keskittyi tapaan, jolla valo liikkui muotojen yli. Se mitä Prud'hon oppi edeltäjältään, on kuitenkin tärkeätä luoda jatkuvasti uusia teoksia tyylistä riippumatta. Rubens oli yksi aikansa hedelmällisimmistä ja monimuotoisimmista taiteilijoista. Hänen tuotantoonsa kuuluivat alttaritaulut, historiamaalaukset, muotokuvat ja maisemat sekä kirjakuvitukset ja arkkitehtuurisuunnittelu.
|
|
|
| Neitsyn oletus
kirjoittanut Peter Paul Rubens, ca. 1612, ruskea muste ja ruskea pesu, valkoinen rungon väri ja musta liitu ruskealla paperi, 11? x 9 ?. Kokoelma Albertina Museum Wien, Itävalta. |
Istuva nuori nainen korotetut aseet
kirjoittanut Peter Paul Rubens, 1631–1632, musta ja punainen liitu valkoisella korotus, 16 x 19 11/16. Kokoelma Staatliche Museen zu Berliini, Kupferstichkabinett, Berliini, Saksa. |
Peter Paul Rubens
Lisäksi taiteilija tuotti satoja piirustuksia, joilla oli hänen työssään erilaisia tukirooleja uransa alusta lähtien. Nuorena taiteilijana hän vietti suuren osan ajastaan kopioimalla mestariteoksia; muutto Italiaan vuonna 1600 muutti aiheensa renessanssimestarien työhön. Titianin, Michelangelon ja Raphaelin piirtoteosten tarkoituksena ei ollut vain oppia. Kuten taiteilija-ohjaaja John A. Parks toteaa,”Se oli tosiasiallisesti yritys purkaa käytettävissä oleva ikonografia ja sävellykset, jotta hän voisi kerätä henkilökohtaisen kuvakokoelman myöhempää käyttöä varten. Se, mitä taiteilija arvosti näissä piirustuksissa, ei ollut heidän henkilökohtainen kalligrafiansa tai esittämisensä laatu, vaan yksinkertaisesti heidän suunnittelutiedot."
Rubens käytti tätä kuvakirjastoa inspiraationa suurille alttaritavaroille, jotka hänelle annettiin tehtäväksi. Hän aloitti nämä suuret työt alustavalla piirustuksella mustalla tai ruskealla liidulla, sitten hän tekisi öljyluonnoksen. Tämän jälkeen taiteilija palasi piirtämiseen tekemällä suurempia kappaleita elävistä malleista mustalla liidulla. Tämä suurempi piirros antoi hänelle mahdollisuuden sisällyttää yksityiskohtia ja anatomisia tarkkuuksia ja infusoida kohdettaan elinvoimalla, josta barokkitaiteilijat olivat ylpeitä.
Vaikka Rubens ajatteli todennäköisesti vain vähän hänen piirustuksistaan, taiteilijat voivat nykyään hoitaa paljon valmistelevista teoksistaan. Hänen piirustuksillaan rikastutettiin maalauksiaan ja autettiin häntä prosessin kaikissa vaiheissa. Kun hän lopulta asetti öljyn kankaalle, hänellä oli selkeä visio ja hän oli varma, kuinka se toteutetaan. Piirrätyksellä Rubens laajensi visuaalista sanastoaan ja antoi hänelle mahdollisuuden luoda satoja loistavia teoksia.
|
|
| Nainen, jolla on kuollut lapsi
kirjoittanut Käthe Kollwitz, 1903, etsaus. Kokoelma Kansallisgalleria Art, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
Saksalainen maalari, graafikko ja kuvanveistäjä Käthe Kollwitz (1867–1945) tunnetaan ehkä paremmin aiheestaan kuin taitostaan. Hänen kaiverrukset, litografiat ja piirrokset olivat pääasiassa työväenluokan ihmisiä, joita hän näki ympärillään, ja hän esitteli katsojille liikkuvia kertomuksia ihmisen kärsimyksistä ja kamppailuista. Hänen syvä tunneyhteytensä aiheisiin antoi hänelle mahdollisuuden luoda taidetta, joka resonoi edelleen yleisön kanssa tänään ja voi inspiroida taiteilijoita, jotka haluavat käsitellä henkilökohtaisia ja / tai poliittisia aiheita. "Minua otti Kollwitzin varhainen työ ja muodon syvyys, jonka hän sai runsaasta linjastaansa", sanoo taiteilija ja ohjaaja Dan Gheno.”Arvostin hänen työssään myös emotionaalista voimaa. Hän opetti minulle, että voisin mennä paljon enemmän kuin pintamuoto, jos katson itseäni.”
|
|
| Omakuva
Käthe Kollwitz, 1924, litografia. |
Kollwitz työskenteli usein jaksoissa käsitellessään historiallisia nousuja ja muutoksia. Ensimmäinen näistä sarjoista oli The Weavers, joka koostui kolmesta litografiasta ja kolmesta syövytyksestä, jotka perustuivat saksalaisen näytelmäkirjailijan Gerhart Hauptmannin dramatisointiin epäonnistuneesta kapinasta 1842. Kollwitzin teokset eivät olleet kirjaimellisia esimerkkejä historiallisista tosiasioista tai Hauptmannin sopeutumisesta; sen sijaan hän keskittyi työntekijöiden kurjuuteen, toivoon ja vahvuuteen. Kun näitä teoksia näytteltiin yleisölle vuonna 1898, taiteilija sai suuren suosion, ja se on edelleen yksi hänen kuuluisimmista hankkeistaan. Tätä seurasi myöhemmin hänen sarjansa Talonpojasota (1902-1908), joka perustui saksalaisten talonpoikien kapinaan vuosina 1522-1525. Tämän sarjan aikaan taiteilijaa pidettiin yhtenä aikansa tärkeimmistä saksalaisista graafikoista.
Aihealueen vaihtelemisen lisäksi Kollwitz tutki joukkoa grafiikkatekniikkaa näiden sarjojen kanssa, mukaan lukien valokuvioitus, syväys ja värillinen litografinen painatus. Tällä hetkellä hän yksinkertaisti työtään jättäen jälkeensä erittäin yksityiskohtaisen realistisen lähestymistavansa tunnekerronnan hyväksi. Juuri tämä sitoutuminen humanistisiin teemoihin ja emotionaalinen yhteys auttavat erottamaan Kollwitzin teoksen.
|
|
| Igor Stravinsky muotokuva
kirjoittanut Pablo Picasso, 1920, grafiitti, kokoelma Museé Picasso, Pariisi, Ranska. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881–1973) on kansainvälisesti tunnettu taiteilija, joka asui Euroopassa myrskyisinä aikoina ja käytti taiteensa tulkitakseen hänen ympärillään tapahtuneita nopeita ja toisinaan väkivaltaisia muutoksia. Kun taiteilija valmisti satoja maalauksia, joista hänet tunnetaan hyvin, hänen piirustukset ovat hänen työtään. "Picasson taiteilijan ja kuvakkeen evoluution sydän on hänen piirustuksessaan - siellä hänen kokeilunsa ja visuaaliset läpimurronsa syntyivät", taiteilija ja opettaja Lisa Dinhofer sanoo. Taiteilija, jolla on syvät tiedot perusteista ja laaja akateeminen koulutus, Picasso pystyi purkamaan aiheen tekemällä siitä mahdollisimman vähän tarvittavia linjoja ja saapuakseen sen ytimeen. "Objektin kuvaaminen yksinkertaisimmassa muodossaan vaatii pääsihteerin yksityiskohtaiset tiedot", Dinhofer sanoo. "Ei pehmennetyllä Conté-merkinnällä, ei ristikkäin kerätyllä tilavuudella, ei grafiitin kerroksellisilla sävyillä alueen mallintamiseksi, vaan suoralla linjalla, joka välittää kaiken muodon ja tilan."
|
|
| Nusch Eluard
kirjoittanut Pablo Picasso, 1938, puuhiili ja grafiitti kankaalle. |
Picasson linja osoitti aiheensa sisä- ja ulkomuodot, ja hän pystyi täyttämään kuvan tason poistamalla tilavuudeltaan yksityiskohdat. Tämä näkyy muotokuvissa, kuten Max Jacob, Erik Satien muotokuva ja Helena Rubenstein. Kun tarkastelee hänen kokeiluaan linjoilla ja muodoilla, taiteilijat voivat ymmärtää, kuinka Picasso pakotti katsojat näkemään esineitä uusilla tavoilla, ja työntää edelleen rajojamme tänään. Hänen vuonna 1937 luomansa mestariteoksensa Guernica ilmentää taiteilijan muuttuvia teorioita ja linjakokeilua. Kuten Dinhofer toteaa,”Sävellys perustuu yksinomaan tilan ja viivan vastakkaiseen asemaan. Kuvattu sisustus ja maisema on tasoitettu, mikä työntää jokaisen hahmon etualalle. Tuloksena on ylivoimainen hyökkäys, joka suoritetaan lihavoidulla, katkeamattomalla viivalla, leikattuilla muodoilla ja pakatulla kuvatasolla.”
