Tämä New Yorkin taiteilija havaitsee monet läpimurtojensa piirustuksista esittämällä tarkasti sen, mitä hän näkee vähällä ajatuksella hyväksyttyihin piirustusstandardeihin.
kirjoittanut John A. Parks
Tutkimus Eroded Cliff 1955, seepian pesu paperille, 18¾ x 23 ?. Kaikki taidetta ja kuvaa tämän artikkelin kohteliaisuudesta Betty Cuninghamin galleria, New York, New York, ellei toisin osoitettu. |
Philip Pearlstein (1924–) nousi merkittävänä voimana esitysmaalauksen elpymisen takia New Yorkin taidemaailmassa 1960-luvun alkupuolella. Aikana, jolloin abstrakti ekspressionismi jatkoi vauhtia ja pop-taiteen väärä hienostuneisuus oli alkuvaiheessa, Pearlstein keksi vision, joka pyyhkäisi syrjään suurimman osan modernismin oppeista ja sen vaatimuksen pintaan ja tasaisuuteen. Äärimmäisissä, intensiivisissä piirustuksissaan ja maalauksissaan hän puolusti paluuta illusionistisen tilan luomiseen kuvatason takana yhdestä näkökulmasta katsottuna. Lisäksi hän ehdotti ottavansa länsimaalauksen keskeisen huolenaiheen: ihmishahmon suoran havaitsemisen ja esittämisen. Hänen alastonmaalauksensa, jotka esitettiin raa'alla, irrallaan ja erittäin keskittyneellä realismilla, vailla joko abstraktien ekspressionistien maalauksellisia liiallisuuksia tai Pop Artin kerrostettuja ironioita, tulivat täydellisenä yllätyksenä taidemaailmalle ja ajoivat maalarit nopeasti kansainvälinen tunnustus. Koko uransa ajan taiteilija on piirtänyt, ja toisinaan - etenkin 1950-luvulla - hänen piirustuksensa johtivat tietä huomattaviin läpimurtoihin työssään. Jotta Pearlsteinin kypsä työ syntyisi, ymmärrämme täysin uransa alkuun.
Philip Pearlstein syntyi Pittsburghissa vuonna 1924 ja kasvoi suuren masennuksen aikana. Vanhemmat ja opettajat rohkaisivat häntä maalaamaan ja piirtämään, ja hänet lähetettiin Carnegie-taidemuseoon lauantaiaamuna. Kaikki tämä nuorekas toiminta huipentui äkilliseen ja varhaiseen tunnistamiseen, kun hän voitti kaksi palkintoa maalauksistaan kansallisessa korkeakouluopiskelijoiden kilpailussa, jota sponsoroi Scholastic-aikakauslehti, ja nämä kaksi maalausta toistettiin värillisesti yhdessä muiden kanssa Life-lehdessä, Kesäkuu 1942. Nuori mies jatkoi taiteen opiskelua jatko-opiskelijana, mutta toisen maailmansodan keskeytti hänen elämänsä. Armeija käytti Pearlsteinin kykyjä ja työllisti hänet graafisessa työpajassa Floridassa, missä hän työskenteli useita kuukausia merkkien ja kuvien avulla armeijan koulutusta varten. Siellä hän joutui siviilielämässä kaupallista taidetta työskennelleiden miesten joukkoon, ja he opiskelivat heiltä nopeasti kaupan tekniikat tutustuen hallitseviin kyniin ja silkkipainoon.
Tutkimus Jäätikkö kaavittu 1956, seepian pesu paperille, 19? x 24¾. |
Myöhemmin Pearlstein lähetettiin jalkaväkiin Italiaan, ja työskenteli jälleen kerran liikkeessä, joka valmisti tienviitan merkkejä sotaa kärsineelle maalle sodan päättymisen jälkeen Euroopassa. Ja Italiassa hän teki pitkän sarjan piirustuksia, jotka kuvaavat armeijan elämää, töitä, jotka hän lähetti perheelleen visuaalisena viestintävälineenä. Monet piirustuksista ovat kynässä. "Ne tehdään armeijan paperille armeijan musteella", taiteilija kertoo.”Olen hämmästynyt siitä, että he ovat selvinneet niin hyvässä kunnossa.” Kun Pearlsteinilla oli enemmän vapaa-aikaa, hän maalasi akvarellilla Italiasta ostettujen materiaalien kanssa.
Piirustuksissa käytetään puhdasta kuvaavaa linjaa kuvailla tyypillisiä sotilaan elämän tapahtumia: harjoittelua bajoniteilla, elämää kasarmissa ja kadunäkymiä. Yhdessä piirustuksessa sotilas seisoo yksinäisellä vartiointityöllä, kun taas toisessa monimutkaisemmassa kuvaryhmässä nähdään nuori italialainen poika, joka yrittää myydä siskonsa sotilasparille. Piirustuksissa on suoraviivaisuus, jossa jokainen elementti on selvästi luettavissa. "Luulen aikovanni olla kuvittaja.", Sanoo taiteilija, "ja se on laatua, jota kuva tarvitsee." Yksi asia, joka näkyy piirustuksissa, on, että taiteilijalla oli jo erittäin hienostunut tuntemus poseeraa ja asentoa kohtaan. Kasarmissa, [ei esitetty] vuoden 1944 vesiväriä, mies makaa sängyllä rentouttaessa keskustellessaan istuvalle sotilaalle, joka on kiireinen säätämään kivääriään. Luvut eivät vain lue selvästi, vaan ne ovat myös täysin toteutuneessa yhteydessä, jossa kaikki vuoteet, saappaat, hyllyt ja roikkuuvaatteet tehdään taloudellisella tarkkuudella.
Rock-lomakkeet 1955, puuhiili, 18? x 24¾. |
Pearlsteiniä pidettiin Italiassa vihollisuuksien päätyttyä, ja hän käytti tilaisuutta nähdä useita näyttelyitä sodan aikana piilotetusta taiteesta. Hänellä oli myös aikaa käydä Vatikaanin kokoelmissa ja Venetsian kirkoissa, ja hän muistaa maksaneensa Firenzen talonmiehiä pääsemään lukittuihin kirkkoihin nähdäkseen renessanssin suurten maalareiden kuvia.
Palattuaan Yhdysvaltoihin, Pearlstein palasi takaisin Carnegie Techiin suorittamaan koulutuksensa. Yksi hänen luokkahuoneen ystävistään oli nuori Andrew Warhola, ja juuri hänen kanssaan Pearlstein matkusti lopulta New Yorkiin vuonna 1949. He kaksi jakoivat asunnon ja molemmat löysivät työn, Warhola tai Warhol, kun hän lopulta tuli tiedossa. -Kuvassa ja Pearlstein graafisen suunnittelijan avustajana. Noin 10 kuukauden kuluttua Warholista oli tullut menestyvä kuvittaja. Kahden eron seuralainen yritys, kun Pearlstein meni naimisiin.
Ladislav Sutnarilla, graafisella suunnittelijalla, jonka kanssa Pearlstein työskenteli lähes kahdeksan vuotta, oli läheiset siteet Bauhausiin - saksalaiseen kouluun, jossa yhdistyivät käsityöt ja kuvataidetaiteet - ja siten Pearlstein absorboi suuren osan Bauhausin estetiikasta harjoittaen samalla kunnianhimoaan. maalari iltaisin. Tuolloin hän oli erittäin tekemisissä taiteilijoiden kanssa, jotka asuivat 10. kadun ympärillä, ryhmässä, johon kuuluivat De Kooning ja Philip Guston, ja vuonna 1954 hän liittyi Tanager-galleriaan, joka on yksi ensimmäisistä kaupungin optiogalleriaista.”Oikeasti se oli kuin valmistunut koulu minulle”, Pearlstein sanoo.”Greenbergin tai Gustonin kaltaiset ihmiset pysähtyisivät vain keskustelemaan. Eräänä aamuna löysin De Kooningin nukkumassa portaiden ulkopuolella, kun menin avaamaan galleriaa. Minulla oli näyttely maalauksista ja hän lopulta tuli sisään ja kysyi, voisiko hän puhua teoksesta. Hän vei minut vuorotellen jokaisen maalauksen läpi ja puhui niistä omilla termeilläni eikä omien maalaustensa kuvauksilla. Se oli paras arvostelu, jonka olen koskaan saanut.”
Tutkimus Metsämaisema 1956, musta vesiväri, 19 x 24½. |
Abstraktien ekspressionistien johdolla Pearlsteinin maalaukset olivat tuolloin maalattuja voimakkaasti, mutta eivät aivan abstrakteja. Hän tuotti kuvia, jotka perustuvat suosittuun amerikkalaiseen kulttuuriin - mukaan lukien amerikkalainen kotka, dollarimerkki ja lopulta Superman - 1950-luvun alkupuolella, vuotta ennen Pop Artin syntymää. Clement Greenberg oli jo huomannut Pearlsteinin ja sisällyttänyt hänet "Emerging Talent" -näyttelyyn Kootzin galleriassa vuonna 1954 yhdessä Morris Louisin ja Kenneth Nolandin kanssa. Samaan aikaan Pearlsteinilla oli käynnissä toinen hanke. Vuonna 1950 hän aloitti Ladislav Sutnarin rohkaisulla vakavan taidehistorian tutkimuksen ja ilmoittautui maisteriksi New Yorkin yliopiston Kuvataideinstituutiossa Manhattanissa. Ohjelman ohjaaja Irwin Panofsky suunnitteli ikonografian tutkimusta. Pearlstein kirjoitti tutkielmansa Francis Picabian teoksesta, ja ehkä, että tämän taiteilijan tutkimus muutti Pearlsteinin aloittamaan epäilykset Greenbergin puolustaman taiteen kehityksen ortodoksisesta näkökulmasta. Sen sijaan, että edetä kohti suurta edistymistä tasaisuuden ja kuvatason hallitsevuuden suhteen, Picabian teos - vilkkain ja kekseliäisin muutoksin kubismi, dadaismi ja surrealismi välillä - ehdotti, että kaikenlaiset lähestymistavat saattavat olla toteuttamiskelpoisia.
Piirustus Vuoroveden sisääntulo 1956, puuhiili, 18? x 24¾. |
Toinen tärkeä kehitys 1950-luvun puolivälissä oli taiteilijayhdistys Mercedes Matteriin, taiteilijaan, joka jatkoi myöhemmin perustamaan New Yorkin piirustus-, maalaus- ja kuvanveistokoulun Studio-koulun. Varhain hän järjesti Charles Cajorin kanssa pieniä epävirallisia ryhmiä, jotka kokoontuivat silloin, kun se oli sopivaa. Mutta kohti 1950-luvun loppua, hän alkoi kutsua joukkoa taiteilijoita, jotka olivat pääosin Pratt-instituutin tiedekuntia, tekemään kuvapiirroksia studiossaan kuuden tunnin maratonien aikana sunnuntai-iltaisin. Ryhmään kuuluivat Lois Dodd, Mary Frank, Paul Georges, Charles Cajori, Philip Guston, Jack Tworkov, Stephen Green, George McNeil ja toisinaan Alex Katz. Tämän ryhmän eri versiot tapasivat edelleen useita vuosia erilaisissa studioissa. Keskustaan muuttanut Pearlstein suhtautui myönteisesti tilaisuuteen janata taiteilijoita, mutta löysi nopeasti intensiivisen työilmapiirin. Yleensä oli kaksi mallia, opiskelijat mieluummin kuin ammattilaiset, ja asennot olivat yksinkertaisia ja luonnollisia kuin taidekouluissa suosittuja klassisia vääntöjä. Alkuaikoina poseeraajat olivat lyhyitä - noin 10 minuuttia - ja Pearlstein piirsi nopeasti pehmeällä 6B-kynällä kovalle piirustuspaperille tai siveltimellä ja raa'alla umber-vesivärillä hiilipaperiin ja myöhemmin Archesin vesiväripaperiin. Valaistus oli kirkas ja yläpuolella verrattuna pehmeään suuntavalaistukseen, jota niin usein käytettiin tuolloin taidekouluissa.
Istuva nainen malli ja Kalteva miesmalli päivätty (1960-luku), grafiitti, 18 x 23¾. |
Varhaisimmista esimerkeistä käy selvästi ilmi, että nämä piirustukset olivat kaikkea muuta kuin klassista. Ne teloitettiin yleensä jatkuvaan linjaan, joka kehittyi yrityksestä suoraan nähdä. Taiteilija yritti ilmeisesti puuttua päinvastoin tekemisen ongelmaan turvautumatta ennakkoon ennakoituihin piirustusstandardeihin. Hän aloitti melkein missä tahansa vartalon puolella ja seurasi muotoa minne tahansa se olisi voinut johtaa. Tämä lähestymistapa johti toisinaan omituisuuksiin tai jännityksiin piirustuksessa, jotka taiteilija päätti pitää. Itse asiassa tämän aikakauden piirustuksissa, kuten myöhempinä vuosikymmeninä tulevissa piirustuksissa, on vain vähän merkkejä korjaamisesta tai poistamisesta tai ei ollenkaan. "Hyväksyn sen, mitä teen", taiteilija sanoo.”En arvaa itseään toiseksi. Piirustus on tulosta huomattavasta keskittymisestä ja intensiivisestä työstäni puolelta. Jos näin olen nähnyt, seison sen vieressä."
Oli kuitenkin kauan aikaa ennen kuin tämä varhainen kuvateos oli saanut aikaan hedelmää maalauksina. Koko 1950-luvun ajan Pearlstein maalasi abstraktin ekspressionistisen maiseman, joka perustuu usein ulkona kerättyihin kiviin. Nämä abstraktin ja perinteisen maiseman välillä lentävät maalaukset olivat hyvin osa päivän taiteellista valuuttaa, ja Pearlstein pystyi osoittamaan niitä ja hankkimaan jonkin verran tukea. Vuonna 1958 hän voitti Fulbright-apurahan ja muutti vuodeksi asumaan Italiaan, missä hän jatkoi maiseman työskentelyään. Hänen silloin tekemänsä piirustukset ja vesivärit osoittavat kuitenkin kasvavaa realismia ja taipumusta esittää tarkemmin ja kattavammin. Esimerkiksi Palatine-mäen piirustus kuvaa huolellisesti pilaantuneiden holvien ja romahtavien seinien monimutkaisia tavaroita. Tämä vuosi merkitsi myös Pearlsteinin graafisen työn päättymistä. Palattuaan Italiasta hän aloitti opettamisen Pratt-instituutissa ja jatkoi opetustaan Brooklyn Collegessa monien vuosien ajan.
Naismalli Chrome-jakkarassa, Miesmalli kerroksessa 1978, seepian pesu paperille, 40 x 59¾. Yksityinen kokoelma. |
Vasta vuonna 1962 Pearlstein näytti ensimmäisenä piirroskuvansa Allan Frumkin -galleriassa, New Yorkissa. Ekspressionististen vuosien jälkeen, jolloin hahmo oli ollut hyväksyttävä vain, jos se oli syytetty valtavasta tunteesta ja maalallisesta draamasta, Pearlsteinin piirustusten viileä, melkein kliinisesti irrotettu laatu tuli hieman shokina taidemaailmaan. Oli myös uteliaslaatuisia kuvia, joissa kaksi alastomia ihmisiä esitettiin tilanteessa, joka oli mahdollisesti seksuaalinen, mutta joka itse asiassa ei liittynyt muuhun kuin asettamaan hahmoja, jotka muodostavat dynaamisen koostumuksen. Kirjoittaessaan ARTNewsille sen vuoden taiteestaan pitkän lausunnon, Pearlstein painotti lähestymistavansa suoraa lähestymistapaa:”Alasti ihmiskeho on mielenkuvien tunnetuin, mutta luulemme vain, että tunnemme sen. Arjen tosiasiallinen näkemyksemme on pukeutuneesta kehosta, ja silloin, kun likainen mielemme riisuttaa ihmisen, se näkee jotain idealisoitua. Vain mallista työskentelevä kypsä taiteilija pystyy näkemään kehon itselleen, vain hänellä on mahdollisuus pitkään katsella. Jos hän vie muistettavat anatomiatuntinsa, hänen näkemyksensä sekoittuu. Se, mitä hän todella näkee, on kiehtova muotojen kaleidoskooppi: nämä muodot, jotka on sijoitettu tiettyyn kohtaan avaruudessa, omaavat jatkuvasti muut ulottuvuudet, muut muodot ja paljastavat muut pinnat mallin hengittämällä, nykäyttämällä lihasten kireyttä ja rentoutumista sekä mallin kanssa. pienin muutos tarkkailijan silmien katseluasennossa. Jokainen liike muuttaa myös tapaa, jolla muoto paljastaa valon: varjot, heijastukset ja paikalliset värit ovat jatkuvassa muutoksessa.”Pearlstein oli myös tietoinen taiteilijan vaatimuksesta olla valinnallinen valitsemansa piirtämisen suhteen.”Pelin säännöt määritetään, kun taiteilija päättää, millainen uskollinen tietue siitä mitä kokemuksen osaan tehdään. Valitettavasti taiteilija ei voi välittää kokonaiskokemusta.”
Istuvan mallin takaosa Kasvopeili, nro 1 1967, grafiitti, 14 x 11. |
Taiteilija aloitti maalaamisen piirustuksistaan ja maalasi lopulta suoraan mallista. Tuloksena olevat kuvat olivat huomattava poikkeus hänen varhaisesta työstään, lopulta luovuttaen abstraktien ekspressionistien suosimasta maalien raskaskäsittelystä ja käyttäen sen sijaan laihaa ja taloudellista tyyliä. Taiteilija katsoi osan laadun muutoksesta poistuneen graafisen suunnittelun maailmasta.”Sen jälkeen kun jätin sellaisen precisionistisen työn ja aloin opettaa elantonsa, työni täsmensi. Kun en tehnyt sitä elantonsa vuoksi, sama impulssi meni maalaukseen.”Toinen proosaisempi tapahtuma oli lisännyt hänen kiinnostustaan tarkkuuteen. 1950-luvun lopulla hän oli työskennellyt muutama kuukausi Life-lehdessä, jossa hänelle oli annettu vakuutustarkoituksiin rutiininomainen lääketieteellinen tutkimus, joka sisälsi silmäkokeen.”Olin käyttänyt samoja reseptilinssejä lukion jälkeen”, taiteilija kertoo.”Kun olin armeijassa, he vain kopioivat reseptiä, enkä koskaan ajatellut muuttaa sitä. Kun lääkäri hyppäsi eri linssisarjan laitteeseen, näin yllättäen ensimmäisen kerran maailman hyppäävän terävään kirkkauteen. Sanoin: "Anna minulle ne!" Oli todella ilo nähdä selvästi, etten koskaan halunnut katsoa impresionistista maalausta uudelleen.”
1960-luvun alkupuolella Pearlsteinilla oli kolme pientä lasta ja rahaa oli hyvin vähän. Siitä huolimatta hän otti aseman ja alkoi vuokrata omia mallejaan. Heti alusta lähtien hän hallitsi huolellisesti studio-olosuhteita. Hän käytti kolmea sinisen sävyä valaisinta, jotka osoittivat hieman seinää kohti, ja hän verhoili ikkunoita pitääkseen päivänvalon poissa. Taiteilija, joka oli tietoinen mallin maksamisen kustannuksista, työskenteli nopeasti ja sitoutui suorittamaan jokaisen maalauksen rajoitetussa määrässä. Tämä oli toinen seikka, joka myötävaikutti maalauksien talouteen ja suoria.
Kaksi istuvaa mallia, Yksi Eamesin tuolista 1982, puuhiili, 30¼ x 44 ?. |
Tämän ajanjakson piirustukset pysyivät lineaarisina ja valmistuivat joko grafiitilla tai siveltimellä. Pearlstein piti kiinalaista harjaa, joka antoi hänelle yhdistelmän herkkää linjaa ja laajempaa karhoa pesuille. Koska hän taipumus aloittaa paperin keskeltä ja työskenteli lomakkeita löydettyään, tuloksena olevat kuvat rajataan usein, kun hän lopulta saapui reunoille. Päät, jalat tai mikä tahansa muu kehon osa saattaa puuttua, mutta taiteilija tunsi olonsa mukavaksi tämän lopputuloksen kanssa niin kauan kuin hän koki kuvan olevan järkevä. Pearlstein osoittaa osan kiinnostamisestaan leikkaamiseen Life-aikakauslehteen, missä hänet usein velvoitettiin laittamaan sama sivu useilla eri tavoilla. Valokuvia kopioitiin eri mittakaavassa Photostat-koneella, ja Pearlsteinia vaadittiin käsittelemään niitä rajaamalla.”Kiinnostuin enemmän siitä, mitä ulkopuolelle jäi kuvan leikkaamisen jälkeen”, hän sanoo.”Joissakin tapauksissa on yllättävää, etten ole koskaan tehnyt siitä maalauksia.” Taiteilija myöntää, että piirustuksissa tapahtuu eräänlainen käänteinen rajaus. Kuva liikkuu ja aukeaa, kunnes se saavuttaa reunan ja pysähtyy. Ja jos reuna leikataan reiteen tai rinnan tai kaulan läpi, taiteilija hyväksyy vain lopputuloksen. Katsojalle vaikutus voi kuitenkin olla jonkin verran hälyttävä, jopa ankara, ikään kuin joku sydämetön olento olisi yksinkertaisesti päättänyt pilkata teoksensa. Pearlstein näki sen toisin. "Minulle tärkeitä ovat liikkeet, aksiaaliliike, muotojen liikkumisen suunta", Paul Cummings lainaa häntä sanoessaan teoksessaan Taiteilijat omiin sanoihin: Paul Cummingsin haastattelut (St. Martin's Press, New York, New York). Joten jos vartalo liikkuu hyvin, se ei tarvitse päätä. Jos pää liikkuu aivan eri tavalla ja pidän siitä, aloitan päästä ja annan jalat mennä. Sillä, kuinka nämä asiat ristiin puristuvat kankaan pinnan yli, on todella merkitystä.”
Alaston ja New York 1985, grafiitti, 23 x 29. |
Jotkut tämän varhaisen ajanjakson piirustuksista esittelevät lisälaitteen: katkenneen tai katkoviivan, jota taiteilija käytti ilmoittaakseen pintaominaisuuden myöhempää työtä varten toisella välineellä. Rivi saattaa näyttää luun tai lihaksen sijainnin pinnan alla tai osoittaa vain valetun varjon reunan. Taiteilija on selvästi kiinnostunut rajoittamaan havaintonsa visuaalisiin tapahtumiin sen sijaan, että etsisi visuaalisia vihjeitä, joiden avulla hän voi tuottaa täysin tilavan muodon klassisia linjoja pitkin. Hän hyväksyy tilan vääristymät, virheet ja tasoittelut, jotka usein johtuvat tästä lähestymistavasta, koska hänen uskonsa perustuu etsinnän tekoon. Pearlstein tekee tietyssä mielessä taiteen läheisemmäksi Cézannen kuin akatemioiden taiteeseen - teoksen ulkonäkö sanelee maailmankatsomisprosessin.
Pearlstein näytti maalauksiaan Frumkin-galleriassa vuonna 1963 ja sai innostuneen katsauksen Sydney Tillimiltä, joka oli tuolloin tärkeä kriitikko. Hän kirjoitti Arts Magazine -lehdessä, että taiteilija “ei ole vain palannut hahmoa maalaamiseen; hän on asettanut sen lentokoneen taakse ja syvään avaruuteen turvautumatta nostalgiaan (historia) tai muotiin (uudet ihmisen kuvat).”Tillim myönsi, että Pearlstein oli palannut perinteiseen taiteeseen liittyvään huolenaiheeseen - ihmisen kuvaamiseen todellisessa tilassa yhdestä näkökulmasta - käyttämättä kaikkia kyseisen perinteen matkalaukkuja. Menneet olivat akateemiset asennot ja huolellisesti tasapainotetut akateemisen taiteen sävellykset, ja kadonneet olivat ekspressionismin draama ja angst. Ne oli korvattu viileällä, pelottomalla ja säälimättömällä katseella. Mallit pysyivät rentoina ja enemmän tai vähemmän luonnollisina lepoasennoina. Eleita, vuorovaikutusta, tarinankerrontaa, idealisointia tai muita esitysmaalauksen koristeluja ei yritetty. Kuvat näyttivät radikaaleilta, uraauurtavilta ja hieman haastavilta. Pearlstein sai nopeasti laajan maineen. 1960-luvun edetessä maalausten painopiste kiristyi. Lisäksi mallien taustat ja fyysiset olosuhteet valmistettiin samaan kovaan viimeistelyyn saakka. Vähitellen taiteilija alkoi sisällyttää yhden tai kaksi rekvisiittaa, yleensä huonekaluja omasta talostaan: sohvaa, tuolia, mattoa. Usein näillä esineillä oli keskeinen rooli sävellyksessä heijastaen ja vahvistamalla hahmojen läpi tapahtuvia liikkeitä. Pearlstein alkoi myös tuoda esille voimakkaasti kuvioituja tekstiilejä, mikä merkitsi haastettua heijastunutta väriä ja dynaamisia muutoksia lihanvärin hienovaraisuuden ja kankaiden loistavan paikallisen värin välillä.
Malli, jossa jalka on laajennettu puisella penkillä 1983, Conté, 30 x 40. |
Pearlstein on valmistanut samanaikaisesti maalarityönsä kanssa suuren määrän töitä taidegrafiikan valmistajana. Hänen varhaiset jäljennökset ovat litografioita, muoto, joka mahdollistaa suoran piirtämisen kiville mallista. Taiteilijan halveksuminen linjan muutoksista ja pyyhkimisestä sopii hyvin tähän välineeseen, ja painotuotteet seuraavat hänen huolenaiheitaan maalauksessa, koska hän esittelee usein suurikokoisia hahmoja yksittäin tai pareittain. Litografiaviivan hiukan pehmeä ja tiheä luonne lisää taiteilijan piirustuksiin vähän lämpöä, jota usein vahvistaa jonkin verran raskaampi tonaalinen kuoriutuminen kuin useimmissa hänen grafiittiteoksissaan. Myöhemmin Pearlstein uskoi syövytykseen, väliaineeseen, joka myös antoi hänelle mahdollisuuden työskennellä elämästä, piirtämällä ensin siveltimellä ja lakalla ensimmäisen hampumaisen pistoksen loppumiseksi, maalaamalla sitten lakalla loppupäätä seuraaville sävyalueille, sävyn ja värin rakentaminen akvatintaan. Hän tuotti myös yksityiskohtaisia tulosteita näkymistä kuuluisista arkeologisista kohteista ja alempana sijaitsevan Manhattanin kaupunkikuvan.
Myöhemmin Pearlstein teki taistelun puuplokiksi, jolloin syntyi todella mahtava painatus. Vuonna 1986 hän matkusti Jerusalemiin ja teki valtavan akvarellin, josta näkyi panoraama Kidronin laaksoon. Teos sisälsi joitain teknisiä haasteita, ei vähiten tuulen vuoksi, ja taiteilija valmisti kuvan kahdella viiden jalkaisella vesiväripaperipalalla, jotka asetettiin kehykseen, joka oli voimakkaasti kiinnitetty köysillä. "He todennäköisesti ampuisivat minua, jos työskentelisin siellä tänään", taiteilija huomauttaa ja lisää, että näkökulma oli Itä-Jerusalemissa. Painatus tehtiin Etelä-Floridan yliopiston Graphicstudiossa Tampassa, ja siihen liittyi uusi prosessi: Taiteilija loi yhdeksän värierottelua akvarellipiirrostaan yksittäisille Mylar-arkeille, ja syntyneet kuvat siirrettiin sitten lohkot valokuvaemulsion avulla. Paino oli tarkoitus tehdä 10 värissä, ja koska se jaettiin kahteen puolikkaaseen, kuten vesivärit, siellä oli 20 viiden jalan lohkoa, jotka oli leikattu useisiin erilaisiin metsiin hyödyntääkseen niiden erilaisia kuvioita - kirsikkaa, koivua, pähkinää ja kumipuuta. Tämä työ jätettiin ammattilaiselle. "Pelkään, että se oli niin iso tehtävä, että köyhä mies haavoittui sairaalaan", [tenniksen kyynärpäällä] sanoo Pearlstein.”Ja sitten minun piti mennä korjausten tekoon jo jonkin aikaa.” Viimeinen painatus tehtiin läpinäkyvillä musteilla, jotka heijastivat alkuperäisen akvarellin viimeistelyä.
Jerusalem, Kidronin laakso päivätty (1980-luku), grafiitti, 26¾ x 18¾. |
1980-luvun alusta lähtien Pearlstein on tehnyt yhä monimutkaisempia maalauksia ja piirustuksia, joissa hänen alastonsa yhdistyvät laaja joukko rekvisiitta. Nämä esineet ovat peräisin taiteilijan suuresta kokoelmasta amerikkalaista kansitaidetta. Alastonmiehet takertuvat yhtäkkiä koostumuksiin, joihin voi sisältyä suuri malli lentokoneessa yhdessä lapsen autokoneen lelun kanssa. Yhdessä maalauksessa alaston nainen käsittää suuren veistetyn joutsenhousun. Puiset keinuhevoset, mallipepliinit ja palomotorit kilpailevat antiikkituolien, veistettyjen leijonien ja sääsiipien kanssa, syrjäyttäen ja uhkaavat ihmismalleja terävillä reunoillaan ja kovilla pinnoillaan. Kun pelissä on niin paljon voimakkaita kuvia, katsojalla on luonnollisesti houkutus etsiä teoksen kirjaimellista merkitystä. Varmasti parin alastomien naisten, jotka doucas, kun zepelini sukeltaa pystysuoraan heidän välille, on oltava kuva sodasta ja tuhoutumisesta. Tai ehkä ei. "Teen palapelejä tuleville taidehistorioitsijoille", tykkää taiteilija, joka huomauttaa, että teoksen merkityksen hallitseminen on vaikeaa, ellei mahdotonta, koska tilanne, jossa se nähdään, muuttuu aina. Kerran, hän kertoi tekevänsä maalauksen, jossa pari 1800-luvun marionetteja, joissa on kaksi mustaa muusikkoa, esitetään valkoisen miehen alaston edessä. Kun hän työskenteli kuvan kanssa, joukko kilpailu-mellakoita puhkesi Los Angelesissa. "Tajusin, että kappaleen tarkoitus oli muuttunut", kertoi taiteilija.”Mutta sitten päätin sivuuttaa sen ja lopettaa maalauksen.” Pearlstein myöntää, että joillain katsojilla on ollut vaikeuksia marionetteilla, joita on käytetty useissa hänen kuvissaan. "Ne on tehnyt musta taiteilija mustien viihdyttämiseksi", taiteilija sanoo, "ja minulle sanotaan, että veistämistyyli voidaan tunnistaa tietylle afrikkalais heimolle." Teosten valmistuksen aikana ei ollut rasistista aikomusta., Pearlstein merkitsee, joten jos he törmäävät joihinkin katsojiin negatiivisina stereotyypeinä, se johtuu vain muutoksesta tilanteessa, jossa taiteilijalla ei ole hallintaa. Näyttää siltä, että Pearlsteinin tehtävänä on näissä maalauksissa ylikuormittaa teos symboleilla, merkinnöillä ja potentiaalisilla merkityksillä, jotta lopulta ne vain osoittavat meidät takaisin, uupuneina, sähköisiin nautintoihin nähdä itse esineitä ja malleja. "Poseerisin yhden mallin sukelluslentokoneella ja Mikki Hiiren mallilla", taiteilija kertoo.”Malli kertoi minulle, että työ oli ehdottomasti kommentti 11. syyskuuta Mickey Mouse -puolueen puolustaessa amerikkalaista kulttuuria. Sanoin hänelle, että olen kiinnostunut enemmän siitä, kuinka hänen hiusrajansa kuvasi Miki. Luulen, että hän järkyttyi hieman, ja maalaamisen jälkeen hän aivoi päänsä.”
Puunjuurit pujottavat 1959, seepian pesu paperille, 13? x 16¾. |
Piirrämisellä on jatkunut tärkeä rooli jokaisen Pearlsteinin maalauksen kehityksessä. Useimmat kuvat alkavat harjapiirroksella paperille. Nykyään taiteilija käyttää Winsor & Newtonin valmistamaa suurta soopelin kierrosta ja piirtää poltetulla sienella tai palanut umpeella. Tämä kuva kehitetään sitten koko kohtauksen vesiväriksi, jotta taiteilija voi saada käsityksen sävellyksensä elinkelpoisuudesta ennen kuin hän aloittaa työskentelyn suurella maalauksella. "Eräänlainen esikatselu", taiteilija sanoo. Kun hän aloittaa maalauksen, hän ei kuitenkaan siirrä piirrosta mekaanisesti. Pikemminkin hän aloittaa alusta alkaen, piirtää suoraan elämästä puuhiilellä.
Pearlstein on edelleen aktiivisesti aktiivinen 84-vuotiaana. Äskettäinen vierailu hänen studiolleen Manhattanin vaatealueella sai hänet töihin useilla erittäin suurilla kankaalla, kolmen mallin avulla. Taiteilijakokoelma yhdistää yhdysvaltalaisen kansantaidekokoelman roomalaisten ja kreikkalaisten fragmenttien, egyptiläisten ruukkujen, japanilaisten kuvien ja paljon muuta. Antiikkinen sirkusjuliste jakaa seinätilan vanhan opiskelijan maalauksen ja 1800-luvun ranskalaisen taiteilijan Antoine-Louis Baryen piirroksen kanssa. Pearlstein nauttii ilmeisestä ihastumisestaan tutkiessaan kokoelmaansa vierailijan kanssa, mikä tekee selväksi, että etsinnän nautinnot ja nautinto tutustua siihen, miten muut taiteilijat ovat nähneet maailmaa, ruokkivat edelleen tämän upean ja tärkeän taiteilijan luovaa energiaa.