Marylandin taiteilija Mark Karnes maalaa arjen kohtauksia piirtämällä arvotutkimuksia musteella tai vesivärillä ja maalaamalla sitten hitaasti öljyyn tai akryyliin ilman yksityiskohtaista valmistelevaa piirrosta.
kirjoittanut Ephraim Rubenstein
|
|
| Ruokasali
Pilvinen päivä 2005, akryyli aluksella, 16 x 16. Kaikki kuvat tästä artikkelikokoelma taiteilija ellei toisin ilmoiteta. |
Jatkamalla pitkää intimistien linjaa Vermeeristä Vuillardiin, Mark Karnes tekee houkuttelevasta maailmasta kotimaisen elämänsä hiljaisimmista puolista. Kuten kaikki lähellä olevat kädessä olevat suuret maalarit, myös Karnesin teos muistuttaa meitä siitä, että kauneutta löytyy kaikkialta, niin odotettavissa olevilla kuin odottamattomillakin hetkillä ja jokaisella pään kierroksella. Ensimmäisessä kirjeessään nuorille runoilijoille saksalainen runoilija Rainer Maria Rilke muotoili tämän esteettisen haasteen:”Jos jokapäiväinen elämäsi näyttää huonolta, älä syytä sitä; syytä itseäsi, sano itsellesi, että et ole niin runoilija, että kutsutaan sen rikkauksia; sillä tekijälle ei ole köyhyyttä eikä huonoa välinpitämätöntä paikkaa.”Melkein suoraan Rilken sanojen vastauksena Karnes on tehnyt maalauksia ja piirroksia pohjoisessa Baltimoressaan sijaitsevassa kodissa ja sen ympäristössä yli 30 vuotta.”Työni liittyy yhteyteeni ympäristöön. Kuvieni aiheet ovat minulle tuttuja ja välittömiä asioita.”
Karnesin mielestä lähiympäristönsä on itse asiassa niin houkutteleva, että kun häneltä kysyttiin mihin matkustaa sapattilaisella, hän vastasi:”Miksi haluaisin mennä minnekään? Kaikki mitä tarvitsen, on täällä.”Karnesin kokemuksen mukaan kaikki matkan korjaavat näkökohdat - näkeminen uudelleen, aisteidemme uudistaminen - ovat saatavilla käsillä, jos pystyt vain, kuten runoilija Rilke ehdotti, olemaan silmät näe heidät. Jopa oleskellessaan missä hän on, Karnes kokee silti elämänsä matkustajana.
Sisustus purjeveneellä tiivistää tämän asenteen tahattomasti. Karnes on käyttää runoilija Billy Collinsin ilmausta, purjehtien yksin huoneen ympäri, tutkien jokaista kuutiometriä, risteilee jokaista pintaa ja telakoi tämän tutun, mutta silti salaperäisen tilan jokaisessa onteossa. Tämä erityinen matka otetaan talvella, kun lelupurjevene istuu yleensä kuivassa telakassa pöydällä. Kylmä talvivalo, joka on maalattu niin kauniisti, kylpee ullakkohuoneessa, jota Karnes käyttää studiona. Mallipurjevene - koko maalauksen hieno keskipiste - viittaa siihen, että kaikki on pyrkimystä, kun taas suoran valonsäteen välitön osuma kaukaiselle seinälle muistuttaa meitä siitä, että aika on kulunut ja että tuulet vaihtuvat. Suoraan kehystettynä piirretyn kuvan alla rivitetty lelu intimoi myös maalauksen taianomaista kykyä pienentää maailmaa, vähentää ja tislata siitä jotain mitä voit pitää kädessäsi. Karnesin paljon käytetty taittuva ranskalainen maalausteline, joka on kuin pakattu matkatavara, seisoo seinää vasten suoraan ikkunan alla odottaen nousua.
|
|
| Dormer-iltapäivä
Auringonvalo 1998, öljy aluksella, 13 x 9. |
Vaikka tämä ullakkohuone on hänen päästudionsa, koko talo on reilu peli maalikotelonsa perustamiseen. Kuten Vuillard tai 1800-luvun tanskalainen maalari Vilhelm Hammershoi, aistitaan Karnes kiertävän taloa jatkuvalla silmällä kohti kohteita. Kun ajatus maalauksesta alkaa muotoutua mielessään, parketissa alkaa näkyä teippiä, jotka merkitsevät tuolien sijaintia, kun taas perinpohjaiset teekannut katoavat yhtäkkiä asetettujen aseiden velvollisuuteen.
Viime vuosina Karnes on saanut tapansa tehdä pieniä mustavalkoisia muste- tai vesiväritutkimuksia kohtauksista, jotka kiinnostavat hänen kiinnostustaan. Nämä alustavat tutkimukset tekevät yhteenvedon hänen tehokkaimmista visuaaleistaan. Muutamassa minuutissa he kirjaavat valon ja pimeyden suurimman jaon suuriin, yksinkertaisiin massoihin. Karnesin mielestä muste ja musta akvarelli ovat uskomattoman välittömiä materiaaleja. Ne lyhentävät aihetta näkemisen ja sen nauhoittamisen välillä, joten hän voi vastata siihen muulla medialla mahdotonta suoranaisuutta. Tätä varten hän pitää nämä tutkimukset erittäin pieninä, jotta hän voi antaa periksi impulssille eikä tarvitse huolehtia suuremman teoksen rakenteen hallitsemisesta. Hän osaa lukea kaiken yhdellä silmäyksellä sivulle.
Tällä hetkellä Karnes käyttää mieluummin mustaa akvarellia kuin mustetta, koska akvarellin kanssa hän sanoo, että”sävyt pysyvät lähempänä, kun ne ovat kuivia, kuin ne olivat, kun ne olivat märät. Musteella tummilla on taipumus vaaleutua, kun ne kuivaavat ja sinun on sitten palattava takaisin ja muokattava ne. Yritän pitää sen sellaisena kuin se on
heti, kun voin, niin pienellä tarkistuksella kuin mahdollista.”Myös Karnes maalaa täyspektrisiä vesivärejä, joten helppous median kanssa on hänelle etu. Hän voi tehdä kymmeniä näitä pieniä tutkimuksia ennen maalauksen idean vahvistamista. Nämä eivät ole vain itsessään kauniita teoksia, vaan ne toimivat myös kompassina koko maalausprosessin ajan, varmistaen, että hän ei koskaan irraudu alkuperäisestä ideasta.
Taiteilijan oletus, että visuaalista maailmaa voidaan parhaiten analysoida mustavalkoisena, paljastaa Karnesin olevan luontainen tonalisti. Kun se tulee siihen, Karnes uskoo, että arvo - jopa enemmän kuin väri - on visuaalisen kokemuksen perustavanlaatuinen osa. Tästä huolimatta
Karnes on myös hieno koloristi, mies, jonka väri-ajatukset ovat hienostuneita ja tyylikkäitä. Vastoin 1900-luvun värityydyttyä vuorovesi-aaltoa hän ymmärtää, että väri on kyse suhteesta, ei pelkästään äänenvoimakkuudesta. Hänen luonnollinen taipumuksensa suuntautuu kohti talvea, kun luonto on viritetty ja visuaalinen maailma kokoontuu pehmeämmän keskuksen ympärille.
|
|
| Sisustus kanssa
Purjevene 1989–2005, öljy, 24 x 36. |
Hän maalaa usein tutkimuksia öljyssä ja toisinaan myös akryylissä, ja nämä ovat yhtä silmiinpistäviä välittövyydeltään ja kuinka tarkasti he määrittävät näkökenttää. Nämä tutkimukset annetaan puhtaalle havainnolle. Niissä hän lakkaa pohtimasta, mitkä esineet ovat, ja välittää vain siitä, miltä ne näyttävät, sekä siitä, kuinka tämä ulkonäkö voidaan parhaiten kääntää maalauksen kielelle. Viivat, viistot, väyrät - kaikki täysin lasketut ja asetetut - muuttuvat hämmästyttävän rakennuksiksi, tuoleiksi ja valonsäteiksi.
Karnes syntyi vuonna 1948 Astoriassa, New Yorkissa. Hän osallistui Philadelphian taidemuseoon, missä hän opiskeli maalari Larry Dayn kanssa. Hän tapasi myös huomattavan realistisen Sidney Goodmanin, jolla oli suuri vaikutus häneen. Vaikka hän ei koskaan käynyt luokissa hänen kanssaan, Goodman kritisoi työtään ja kutsui hänet studioonsa katsomaan mitä hän työskentelee.”Goodman oli ensimmäinen todella vakava taiteilija, jota olen koskaan katsonut sisälle”, Karnes sanoo. "Hän oli antelias minulle - ystävällinen ja maanläheinen."
Tilanne oli aivan erilainen, kun hän meni New Haveniin hankkimaan makrotaloudellisen rahoitusavunsa Jelessa. Ilmapiiri oli tiukempi ja kiistanalaisempi, ja hänen mentorinsa William Bailey oli aivohalvainen, kun taas Goodman oli ollut intuitiivinen. Valmistuttuaan hän matkusti Italiaan Fulbright-stipendillä vuosina 1979–1980. Vaikka Italiassa oleminen ja kaikki sen rikkaudet olivat kiistatta hedelmällisiä Karnesille, hänen sydämensä pysyi lopulta kotona eikä hän koskaan palannut.
|
|
| Sisustus kanssa
Sokerikulho 2000, akryyli aluksella, 25 x 26. Kokoelma Mary White. |
Suuri osa kotinsa työskentelystä on oppinut sopeutumaan moniin erilaisiin valaistustilanteisiin.”Taloni on 30 ikkunaa”, Karnes huomauttaa.”Tämä tarkoittaa, että sinun on oltava erittäin joustava ja sopeutettava muuttuviin olosuhteisiin.” Sen lisäksi, että nämä ikkunat vaikuttavat hänen sisämaalauksiinsa, ne tarjoavat hänelle myös lukuisia ilmakuvia hänen naapurustostaan. Itse näkemykset - täynnä puhelinlinjojen ja takapihan pelaamisen muuttuvaa kokoonpanoa
sarjat - ovat jokapäiväisessä esikaupunkitodellisuudessa. Karnesin käsissä quotidianista tulee kuitenkin maaginen. Hänen vakaanaan uskoo, että muuttuvan valon laadulla on merkitystä.
Maalari Pissarro puhui usein etsinnästä eri hotellihuoneissa, katselemalla ikkunoita ja yrittäessään löytää täydellisen näkymän. Vuosien mittaan Karnesin visiosta on tullut armottoman demokraattinen, luopuen ajatuksesta, että siellä on täydellinen näkymä. Hän on oppinut hyväksymään ja
arvostamaan tarkkaan sitä, mikä on ennen häntä, tullaksesi runoilijaksi, jota Rilke vaati. Hän on päätellyt, että sillä ei ole väliä mikä näkemys on. Hän uskoo, että voidakseen olla mahdollisimman vapaa ennakkoluuloista ja odotuksista, koko pyrkimyksen on oltava avoimempi ja mielivaltaisempi.”Olen vaikeuksissa, kun yritän saada liian nirso" mistä se on "." Kuten Billy Collins, joka kirjoittaa elämästään välittömästi hänen ympärillään - polkupyöriä, jotka nojautuvat apteekkien ovien ulkopuolelle tai aamulla kävellä maitoa ja paperia varten - Karnes 'työ on täynnä arjen tunnetta ja ilmettä.
Karnesin avoimuus heijastuu myös hänen materiaaliensa käyttöön. Hänen työmenetelmänsä on kehittynyt vuosien varrella, ja se on aina avoin tarkistamiselle ja kokeilemiselle. Toisinaan taiteilija maalaa liinavaatteille, joskus musliinille ja joskus masoniittilevyille, jotka on gesoitu hienosti leikatulla telalla. Hän maalaa pääasiassa öljyssä, mutta vaihtaa toisinaan akryyliin, jos hänen tarvitsee maalin kuivua heti työskennellessään. Hän käyttää mitä tarvitsee, aivan kuten hän hyväksyy mitä hän näkee, eikä hän tarvitse etsimään sitä, mitä hän jo luulee olevan siellä.
Karnesin luonnokset maalataan yleensä alla prima, kun taas valmiimmat maalaukset kehittyvät hitaammin. Heille hän aloittaa yleensä pinnalla, joka on sävytetty neutraalilla raakapuun pesulla. Jopa monimutkaisimpienkin kappaleiden, kuten Interior With Sailboat, kanssa taiteilija aloittaa melkein ilman valmistelupiirroksia. Aluksi kiinnostaa häntä suuri valon ja pimeyden jakautuminen. Sitten hän alkaa ottaa käyttöön lämpötilan muutoksia, miettiä, mitkä valon osat ovat lämpimiä ja mitkä osat viileävät. Missä tahansa vaiheessa hän piirtää vain niin paljon piirtämistä, kuin tarvitsee auttaakseen häntä sijoittamaan värin. Vain loppua kohti hän piirtää piirustuksen yksityiskohdat. Näin varmistetaan, että maalaus kohdistuu aina ensisijaisesti sävyyn, väriin ja valoon eikä näennettävään aiheeseen.
|
|
| Ikkuna
Ranskan maalausteline 2007, musta vesiväri, 8 x 8. |
Karnes pitää tätä uskoa valon ensisijaisuuteen myös maalaamalla objektia, jonka hän tuntee parhaiten ja joka on lähimpänä: itse. Hän on maalannut äskettäin sarjan omakuvia, joissa hän tuo saman irrotumisen tason näkemykseen. Useimmissa taiteilijoiden omakuvissa, maalari käyttää peiliä vain välineenä nähdä esineen, jonka he todella haluavat maalata: itse. Ajattele Rembrandtin monumentaalista myöhäistä omakuvaa New Yorkissa sijaitsevassa Frick-kokoelmassa, jossa Rembrandt on ihmeellisesti edessäsi. Hänen muotonsa on niin käsittävä, että sinusta tuntuu, että voit tavoittaa ja koskettaa rakkaasi kasvoja. Mutta Karnesin kanssa et saa sitä palpeettista todellisuutta; saat hänen kuvansa varjoisen heijastuksen peilistä. Useimmat taiteilijat poistuvat peilistä päästäkseen itseensä. Karnes on tarkoitus antaa sinulle peili, ohimenevä heijastusten ja varjojen maailma. Hän vain sattuu olemaan peilissä tuolloin. Tämä edustaa uskollisuutta nähdä korkein järjestys. Se puhuu elämän sitoutumisesta kunnioittamaan havainnon ensisijaisuutta, vaikka kyse olisi yksityisimmistä itseistä.
Tietoja taiteilijasta
Mark Karnes sai BFA-maalauksen Philadelphian taidemuseolta [nykyinen taideyliopisto] ja hänen makrotalouden tutkintonsa Yalen yliopistosta New Havenista, Connecticutista. Hän on saanut palkintoja ja apurahoja kansalliselta taiteen rahastoelta, Fulbright-ohjelmalta, Ford-säätiöltä, Marylandin osavaltion taidemuseolta ja Baltimoren taidemuseolta. Karnesin teos on useissa suurissa kokoelmissa, mukaan lukien Kansallinen taidegalleria, Washington DC. Hänellä on
toimi professorina Marylandin instituutin taidemuseossa Baltimoressa yli 30 vuotta.
