Monet loistavat maisemapiirrokset luotiin valmistelevina opiskeluina, opetusharjoituksina tai informaatiolehtinä, eivät valmiina taideteoksina. Nyt voimme tutkia niitä vapaasti tehtyjä graafisia kuvia todisteita piirtämisen perusteista, ideoista ja menettelytavoista, joita nämä taiteilijat ovat kehittäneet.
kirjoittanut M. Stephen Doherty
|
|
| Pastoraalinen kohtaus klassisilla hahmoilla
kirjoittanut Claude Gellée (nimeltään Claude Lorrain), ca. 1640–1645, kynä ja ruskea muste ja harja ruskealla ja harmaalla pestään grafiitin päällä kerman kerrostetulle paperille, 7 9/16 x 10 ?. Kokoelma Clevelandin taidemuseo, Cleveland, Ohio. |
Näkymä Acqua Acetosaan
kirjoittanut Claude Gellée (nimeltään Claude Lorrain), ca. 1645, kynä ja ruskea muste ja harja ruskealla ja harmaalla pestään grafiitin päällä kermamaalla levitetyllä paperilla, 10 3/16 x 15 15/16. Kokoelma Clevelandin taidemuseo, Cleveland, Ohio. |
Taidehistoria yhdistetään usein todistearvoista ja puhtaasta keinottelusta, ja piirustukset ovat usein arvokkaimpia resursseja tällaisen tutkimuksen suorittamisessa. Kun joku löytää kymmeniä yksilöllisiä tutkimuksia esimerkiksi suuresta freskosta, hän ymmärtää kaikki erilaiset sävellysideat, joita taiteilija harkitsi ennen valmiin koristeluun asettamista. Ja kun tarkkaan yksityiskohtainen grafiittitutkimus liittyy kahden sota-jumalialan maalaukseen, tutkijat näkevät, kuinka taiteilija muutti vuokrattujen mallien studiopiirrokset emotionaalisesti latautuneeksi maalaukseksi ylimmästä konfliktista.
Joitakin Old Master -maisemapiirroksia taiteilijat hiomisivat, jotta niitä voitaisiin käyttää osana ehdotusta tulevalle maalausasiakkaalle, kopioida tyydyttämään useita keräilijöitä, jotka kaikki halusivat saman piirustuksen, tai esitettävä lahjaksi suojelijalle, joka tuki taiteilijan ura. Mutta jopa nämä hienostuneet piirustukset eivät onnistuneet vaikuttamaan omistajiinsa suurina taideteoksina, mistä osoittaa se tosiasia, että keräilijät ovat harvoin lisänneet ne omistusosuuksiensa inventaarioihin. Jopa kun huutokauppatalot tarjosivat maisemapiirroksia myytäväksi, ne pyrkivät ryhmittelemään ne myytäväksi ennemmin kuin yksittäisinä aarteina.
Niille meistä, jotka yrittävät parantaa taitojamme, on paljon opittavaa sekä suoritetuista opinnoista että kiillotetut piirustukset. Ja maisemapiirrokset ovat usein mielenkiintoisimpia todistehahmoja ihailtujen vanhojen mestareiden ajatuksista ja menetelmistä. Ne ovat kuin romaanin ensimmäinen luonnos, julkisen puheen editoimaton versio tai sinfonian muuttamaton partituuri. Ne tarjoavat arvokasta tietoa, joka auttaa meitä laajentamaan omia kykyjämme luoda taidetta.
Piirustuslehti valitsi tarkistettavaksi ryhmän mestaripiirroksia, joista jokaisella on mahdollisuus tutkia joitain tärkeitä taiteilijan voimien näkökohtia. Kaikkia niitä kopioidaan kirjoissa, jotka ovat vielä painettuina, ja useita on tällä hetkellä esillä Kansallisessa taidegalleriassa, Washington DC: ssä.
Agostino Carracci (1557–1602): Oppiminen luonnosta
Agostino Carracci, yhdessä vanhemman veljensä ja serkkunsa kanssa, vaikutti voimakkaasti 1500-luvun lopun ja 1700-luvun alun taiteen barokkityylin kehitykseen heidän tekemiensä kuvien ja mahdollisesti entistä tärkeämmin, koska monet oppilaat, joita he kouluttivat. Tärkeimmistä oppitunneista, joita Carracci tarjosi nuorille taiteilijoille, oli piirtää suoraan luonnosta, kuten osoittaa tämä nopeasti toteutettu, ilmeikäs lukittuvien puiden tutkimus. Melkein voi tuntea tuulen valloittavan niiden lehtien läpi, jotka on piirretty sarjalla taivutettuja viivoja, jotka on venytetty vaakasuunnassa. Ja puiden oksille annetaan ulottuvuus linjoilla, jotka seuraavat muodonsa luonnollista käyrää ja korostavat siten valon ja varjon leikkiä.
|
|
| Puut
ca. 1590, ruskea muste, 7 7/16 x 5 11/16. Yksityinen kokoelma. |
Kuten monet taiteilijat, jotka tekivät erinomaista piirtämistä kynäkynällä, Carracci vietti useita vuosia kehittääkseen taitojaan piirtäjänä. Etsausneulan tai kaiverretun buriinin manipulointiin tarvittava lujuus ja hallinto palvelivat taiteilijoita hyvin, kun he pitivät veistettyä sulkaa kädessään ja kohdistivat vaihtelevia paineita joko kasvattaakseen tai pienentääkseen musteviivan leveyttä. Voidaan kuvitella, että kun Carracci istui puun alla ja piirsi ilman ennakkografiittia tai puuhiiltä, hän ohjasi kynää vaivattomasti lehtien ja oksien muodon ympärille, kasvattaen paineita varjojen syventyessä ja vähentäen sitä, kun auringonvalo kosketti vasenta puolta. tavaratilan tai lehden.
Suurin osa tämän ajanjakson aikana tehdyistä piirustuksista korosti suoraviivaista ääntä, joten muste oli erittäin sopiva väliaine piirrosten tekemiseen. Kuvilla olisi enemmän voimaa ja pysyvyyttä musteella kuin jos ne tehdään puuhiilellä tai värillisellä liidulla, varsinkin jos piirustukset tehtiin luonnoksissa, joiden sivut hankautuvat toisiinsa, kun taiteilija kantoi niitä paikasta toiseen.
Koska taiteilijat pitivät usein luonnoskirjojaan aina mukanaan ja pysähtyivät usein merkintöjen tekemiseen maisemasta, hahmosta tai rakennuksesta, joka kiinnitti heidän huomionsa, kirjoja yhdessä pitävät siteet hajosivat usein ja ne oli korjattava uusilla paperinauhoilla. tai nahkaa. Joskus taiteilijat sitovat toisiinsa erilaisia piirtosarjoja sen sijaan, että vain korjaisivat piirroskirjan alkuperäisillä sivuillaan. He ehkä haluavat saada kaikki maisemapiirustuksensa yhdeksi yhdeksi folioksi helpompaa käyttöä varten; tai he ehkä haluavat poistaa sivut, jotka ovat likaantuneet tai käyttämättömiä, kun he liimaavat arkit yhteen uudessa teoksessa.
Thomas Gainsborough (1727–1788): Piirustuksen vapauttaminen maalauksesta
Suurimpien mestarien työn kanssa heidän piirustusten ja maalauksien aihe ja tyyli ovat suorassa vastaavuudessa. Muotokuvamaalarit, kuten John Singer Sargent, tekivät satoja puuhiiltä muotokuvapiirroksia; suurten figuratiivisten koostumusten mestarit, kuten Tiepolo, loivat kymmeniä keksittyjen ihmisten mustepiirroksia, jotka kiertyvät avaruudessa; ja pastoraalisten maisemien maalarit, kuten Claude Lorrain, piirsi maisemia samoin sävellysjärjestelyin kuin rauhallisissa, myöhään iltapäivällä maalatuissa näkymissä.
|
|
| Metsäinen maisema, jolla on virta
ca. 1780-luvun puoliväli, mustavalkoinen liitu harmaansinisellä paperilla. Yksityinen kokoelma. |
Siksi on huomattavaa, että Thomas Gainsboroughin kaltainen taiteilija, jota ihailtiin englantilaisten herrojen ja naisten muotokuvista, piti piirtämistä mahdollisuutena tutkia uusia materiaaleja, käsitteitä ja ilmaisutapoja. Tämä esimerkki hänen kokeellisista liitupiirustuksista on tällä hetkellä esillä Kansallisessa taidegalleriassa näyttelyssä, jonka otsikko on”Yksityiset aarteet: neljä vuosisataa eurooppalaisia mestaripiirroksia.” Teoksen luettelon kuvauksessa Jennifer Tonkovich, piirustuksen kuraattori ja tulostaa Morgan-kirjastossa ja -museossa, jossa näyttely oli alun perin New Yorkissa, kommentoi, että”vaikka [Gainsborough] toisinaan teki muotokuvia koskevia tutkimuksia, maisemat ovat vallitsevia taiteilijan piirustuksissa ja hän tuotti satoja luonnoksia koko uransa ajan. Paperilla työskentely antoi hänelle vapauden kokeilla epätavanomaisia mediayhdistelmiä ja tutkia ja tallentaa luontoa henkilökohtaisen nautinnon vuoksi, joka ei liity muodollisiin toimeksiantoihin."
Tonkovich jatkaa tämän Gainsborough-piirustuksen vertaamista Claude Lorrainin ihanteelliseen perinteeseen. Hän välttää tavanomaiset välineet, jotka kehystävät kohtauksen puilla ja muodostavat keskittymisen; hän ei myöskään näe jälkiä ihmisten tai eläinten läsnäolosta, paitsi sillä, mikä voi olla yksinäinen lammas - äärimmäisen lyhyt kuvaus - vasemmalla olevan kukkulan yläpuolella. Gainsborough suoritti levyn kerroksella rytmisiä, diagonaalisia liituhalkoja, jotka korostavat maiseman työntövoimaa. Kivien ja puiden pehmennetyt, pyöristetyt piirteet ja sulkainen pintakuvio herättävät rehevän, dramaattisen ympäristön, ennaltaehkäiseen brittiläisen romanttisen koulun maisemia."
Voidaan helposti ymmärtää, kuinka taiteilija, joka omistautui suurimman osan taiteellisista taitoistaan palvelemaan englantilaista yhteiskuntaa, nauttii kokeellisten piirustusten luomisesta. Todennäköisesti hän olisi menettänyt järkevyytensä, jos hän ei olisi löytänyt helpotusta herttuvien herttuoiden ja asiamiesten takaamisesta.
Thomas Cole (1801–1848): Tunteen lisääminen havaintoihin
Vaikka Thomas Cole on hyvin arvostettu yhtenä Hudson River -koulun perustajista - Amerikassa ensimmäisestä syntyperäisestä taidekoulusta -, hänen maalauksensa vaikuttavat usein liian tunteellisilta, moralistisilta ja ylenmääräisiltä. Esimerkiksi yksi maalaussykli, Elämän matka, kuvaa miehen elämää lapsuudesta vanhuuteen asti, kun hän matkustaa joella, joka muuttuu rauhallisesta purosta kalamitoivaksi vesiputoukseksi ja lopulta tummaksi valtamereksi, jota vartioi enkelit. Cole käyttää sarjaa itsestään selviä laitteita - kelluvaa kehtoa, haarukkaa joessa, tummaa myrskyä - saarnatakseen ikän, huonon arvioinnin ja hyveen puuttumisen seurauksista.
|
|
| Näkymä vuorelle
Pass kutsuttiin loveen Valkoisilla vuorilla 1839, öljy, 40 3/16 x 61 5/16. Kokoelma Kansallisgalleria of Art, Washington, DC. |
Toisin kuin hänen maalauksensa, Colen maisemapiirrokset vaikuttavat tyylikkäiltä luonnontutkimuksilta. Lineaariset grafiittitutkimukset osoittavat vain vähän keksintöä tai liioittelua koskevia todisteita, jotka viittaavat siihen, että todennäköisesti voitaisiin silti määrittää tarkalleen missä hän seisoi, kun hän piirsi maisemaa studionsa lähellä Hudson-joen länsirantaa pitkin, Catskillissa, New Yorkissa. Vasta verrattaessa piirrosta öljymaalaukseen, johon se perustuu, voidaan ymmärtää, kuinka Cole pakotti uskomuksensa - tai nuoren kansakunnan uskomusjärjestelmän, joka yrittää erottua itsestään.
Piirustuksen aihe, Crawfordin lovi New Hampshiren valkoisilla vuorilla, oli traagisen lumivyöryn aihe, joka vei Samuel Willeyn, hänen vaimonsa, heidän viisi lastaan ja kaksi palkattua miestä. Willey oli rakentanut suojan kaukana vuoren pohjasta, missä hän ajatteli hänen ja hänen perheensä olevan turvassa, jos tällainen tapahtuma tapahtuu, mutta 28. elokuuta 1826, taipuneet kivet murskasivat suojan ja säästivät talon. Cole vieraili sivustolla kaksi vuotta tapahtuman jälkeen ja palasi vuonna 1839 piirtämään vuoren, laakson ja kodin tarkan ulkonäön.
Kun Cole palasi studiolleen luodaan piirustukseen perustuva maalaus, hän aloitti sävellyksen siirtämisen, lukujen lisäämisen ja keksimään sääolosuhteita. Mies kulkee nyt symbolisen kuolleen puun ohitse hevosella, joka havaitsee vaaran, isä ja hänen lapsensa tulevat talosta tervehtimään ratsastajaa, ja sadepilvet purskahtivat vuoren huipulle ja aloittavat traagiset tapahtumat.
On oletettu, että Colen lisäyksiä ja vaihtoja ehdotti osittain Nathaniel Hawthornen kuvitteellinen kertomus Willeyn katastrofista. Hawthornen novelli, kunnianhimoinen vieras, muuttaa luonnonkatastrofista Willeyn ja hänen tyttärensä huomioimisen päivän, joka toivoi heidän vierailijansa auttavan heitä saavuttamaan itsekkäät tavoitteensa. Rebecca Bedell kirjoittaa kirjassaan Anatomy of Nature: Geology & American Landscape Painting, 1825–1875 (Princeton University Press, Princeton, New Jersey), että”koska Cole etsii innokkaasti kirjallisia yhdistyksiä maalaamiinsa sivustoihin, näyttää todennäköiseltä, että hän olisi tiennyt Hawthornen tarinan.”Bedell viittaa edelleen Colen maalaussykliin, The Empire Course, joka osoittaa, että” ylpeys ja kunnianhimo (muiden syntien joukossa) aiheuttavat imperiumin kaatumisen. Hawthornen tarina viittaa samaan oppituntiin, ajatukseen, että ylpeys ja kunnianhimo edeltävät pudotusta.”
Vertailun tekeminen Colen alustavan piirustuksen ja tuloksena olevan maalauksen välillä on kuin tutkia JC Leyendeckerin tai Norman Rockwellin aikakauslehden kuvion kehitystä. Elävien mallien piirustukseen sisältyvä raaka-aine vaihdetaan nopeasti ymmärrettävän tarinan kertomiseksi. Eleitä, ilmeitä ja vartalon asentoja säädetään tarinan kaikkein paljastavan jakson korostamiseksi ja taustalla olevan viestin emotionaalisen vaikutuksen lisäämiseksi. Colen tapauksessa ihmisen eleet, luonnolliset muodot ja sääolot ovat elementtejä, joita käytetään lisäämään draamaa.
William Stanley Haseltine (1835–1900): Keskittyminen merkittäviin ja myytävissä oleviin näkymiin
Vaikka kaikki taiteilijat mieluummin piirtävät ja maalaa kiinnostavia aiheita, niiden, jotka pyrkivät myymään maisemakuvia, on käsiteltävä useita yhteisiä odotuksia mahdollisten ostajien keskuudessa. Yksi on, että keräilijät mieluummin maisemat, joilla on historiallinen, geologinen, ympäristöllinen tai henkilökohtainen merkitys; ja toinen on, että varakkaiden yksilöiden on taipumus siirtyä samoihin yksinomaisiin paikkoihin. Se oli totta 1800-luvulla, kun Thomas Moran ja James Abbott McNeill Whistler myivät satoja tulosteita, piirroksia ja maalauksia kaikkien suosikkikaupungista, Venetsiasta, Italiasta; ja se on totta tänään, kun taiteilijat myyvät kuvia vauraista yhteisöistä, kuten Palm Beach, Santa Fe ja Carmel the Sea. Podunkin takakatu saattaa kiehtoa maalareita, mutta on epätodennäköistä, että keräilijät jakavat innostusta merkityksettömän kaupungin karkeasta ulkonäöstä.
|
|
| Rocks Nahantissa
ca. 1864, grafiitti ja vesivärit, 14¼ x 20. Kokoelman museo Arts, Boston, Boston, Massachusetts. |
Ei ollut sattumaa, että Haseltine loi kymmeniä yksityiskohtaisia piirroksia kalliomuodostelmista rantaviivaa pitkin Nahantissa, Massachusettsissa. Tämä oli muodikas kesävesijohtoreikä varakkaille bostonilaisille, joilla oli geologinen merkitys. Todennäköisesti Haseltine löysi rantaviivan opiskellessaan Harvardin yliopistossa, jossa hän oli Harvardin luonnontieteellisen seuran jäsen. Louis Agassiz oli yliopiston luennoitsija, joka vei luonnontieteelliset opiskelijansa usein Nahanttiin näyttämään heille jään leikattuja, kiillotettuja vulkaanista alkuperää olevia kiviä, joiden ajateltiin olevan maan vanhimpia.
Tuo rantaviiva osoittautui täydelliseksi aiheeksi Haseltinen tarkoille piirustuksille ja öljymaalauksille, koska hän uskoi, että”kaikki luonnossa on maalaamisen arvoinen, mikäli ihminen on löytänyt sen merkityksen. Sitten kuva kertoo oman tarinansa.”Niin monet varakkaat keräilijät olivat kiinnostuneita Haseltinen Nahantin kuvissa kerrotusta tarinasta, joten hän tuskin pysyi kiinni niiden kysynnästä.
Haseltine käytti piirustusmateriaaleja ja tekniikoita, joita taiteilijat ovat yleensä käyttäneet satojen vuosien ajan. Hän työskenteli sini- tai harmaasävyisellä paperilla tummalla grafiitilla tai hiilellä ja lisäsi sitten kohokohtia valkoisella liidulla. Hän pystyi tehokkaasti kehittämään kolme erillistä arvoa vain kahdella piirustusmateriaalilla. Vaikka Haseltinen piirustukset ovat yleensä hyvin säilyneet, monet muut sellaiset piirrokset värilliselle paperille ovat heikentyneet. Melko usein nämä paperit värjättiin hajanaisilla väreillä, jotka haalistuivat tai muuttuivat ajan kuluessa, tai piirustukseen käytetty muste osoittautui epävakaaksi ja kuvat menettivät kontrastin. Parhaiten säilyneitä näistä piirustuksista on yleensä sellaisia, joissa taiteilija ensin sävytti pinnan ammattimaisella akvarellilla, kaseiinilla tai guašilla, levitti sitten tummat ja vaaleat merkit keskipitkän värin päälle. Suosituimmat värit olivat sininen, tan, harmaa ja vihreä. Nykyään taiteilijoille on saatavana useita arkistoituja, sävytettyjä papereita käytettäväksi maisemapiirrokseen. Jotkut on sidottu toisiinsa luonnoskirjoihin, jotka tarjoavat arkkeja kolmesta tai neljästä eri värivaihtoehdosta. Esimerkiksi Fabriano tekee sekä Fabriano Quadrato Artist's Journal- että Artist's Journal -tyynyistä, joissa on jopa 12 erilaista värillistä paperia, jotka ovat ihanteellisia sävymaisemapiirrokseen; ja Legion tekee monipuolisesta Stonehenge-paperistaan useita hienovaraisia sävyjä, jotka sopivat täydellisesti tonaalien piirtämiseen grafiitilla, hiilellä tai liidulla.
Daniel Garber (1880–1958): Valokuvien tulkitseminen
Indianassa syntynyt taiteilija Daniel Garber suoritti koulutuksensa Cincinnati Art Academyssa ja Pennsylvanian Kuvataideakatemiassa Philadelphiassa, keskeisenä ajankohtana amerikkalaisen taiteen historiassa. Ranskan impressionistit, jotka tapasivat opiskellessaan Euroopassa tai joiden kuvia ovat hankkineet amerikkalaiset keräilijät, ovat voimakkaasti vaikuttaneet maalareihin; ja he olivat kiehtoneita mahdollisuuksista, joita valokuvaus tarjosi heille.
|
|
|
| Louhos
ca. 1917, puuhiili, 16 x 20. Kokoelma Pennsylvanian Kuvataideakatemian Philadelphiassa, Pennsylvaniassa. Taiteilijan lahja. |
Louhia
1917, öljy, 50 x 60. Kerää Pennsylvanian taidemuseo, Philadelphia, Pennsylvania. Joseph E. Temple Fund. |
Garber reagoi molempiin näihin voimiin, ja hän kehitti mielenkiintoisen menetelmän valokuviensa käyttämiseksi erittäin teksturoitujen tonaalipiirrosten lähteenä, jotka vastasivat impresionistista estetiikkaa. Ensinnäkin hän pyrki työskentelemään levitetylle paperille, joka oli suhteellisen ohut, voimakkaasti kooltaan ja jolla oli erottuva lineaarinen kudos. Fabriano Roma -tyyppisen kerrostetun paperin matkivat todennäköisemmin valokuvan jatkuvat äänet kuin pehmeän, muotilla valmistetun paperin, kuten Legion Stonehenge tai Rives BFK. Laskettu paperiarkki, joka yleensä liittyy paperi kirjoittamiseen, sopii parhaiten piirteisiin, joissa on hienovaraiset sävyt kuin syvät, voimakkaasti työskennellyt tummat kohdat.
Taiteilija käsitteli myös piirtotyökaluaan siten, että se jätti äänilaatikoita mieluummin kuin kiinteät, kovareunaiset muodot. Garber on saattanut katsoa valokuvaa ymmärtääksesi kohtauksen alueelliset suhteet, mutta hän tulkitsi näitä suhteita kehitellessään piirrostaan. Sama voidaan sanoa menetelmistä, joita Monet käytti puutarhan tai heinänpinnan ilmeen kaappaamiseen. Ranskalainen levitti erillisiä maalauskappaleita, jotka yhdistyivät etäältä katsottuna.
Tämä erityinen louhoksen piirustus oli lähteenä yhdelle Garberin öljymaalaukselle, ja aihe esiintyy jälleen useissa hänen kaiverruksissaan. Louhos antoi hänelle mahdollisuuden tutkia valon vaikutuksia syvään raojen, nousevan vuoren ja heijastavan veden runkoon. Mielenkiintoista on, että muut taiteilijat ovat houkutelleet louhoksia maalauksensa aiheina, luultavasti siksi, että paikat tarjosivat erilaisia maisemamuotoja yhdellä pienellä alueella ja koska ne antoivat tietyn yksityisyyden, jota ei löytynyt valtameren rannalta tai julkisesta järvestä.
