Tonaalinen piirtäminen - suhteellisten arvojen rinnastaminen toisiinsa, käsitys massojen näkemisestä pikemminkin kuin ääriviivat - toistaa paremmin ihmisen näkemyksen kuin linjat. Tätä emotionaalista tapaa kuvata maailmaa on tutkittu Leonardon jälkeen; modernit taiteilijat ovat hallinneet sen.
kirjoittanut Ephraim Rubenstein
Manhattanin New Yorkin taideopiskelijaliiton sinetissä on latinalainen tunnuslause”Nulla Dies Sine Linea” tai”Ei päivää ilman viivaa”. Sanat ovat peräisin Plinius vanhemmalta ja ovat osa hänen kertomustaan suuren kreikkalaisen maalari Apellesin ahkeruus:”Yleensä se oli pysyvä käytäntö Apellesin kanssa, ettei koskaan ollut niin miehitetty päivän liiketoiminnan hoitamiseen, että hän ei harjoittanut taitojaan piirtämällä viivaa, ja hänen asettamansa esimerkki on tulla sananlaskuksi.”Itse asiassa kiitettävä kielto. Se kehottaa taiteilijaa seuraamaan piirtämisen päivittäistä harjoittelua ja olemaan jatkuvasti tietoinen käsityöstään. Koodattu tähän käsitykseen on kuitenkin useita oletuksia. Ensimmäinen on se, että piirtäminen on kaikkien taiteiden perusta; ja toiseksi, tämä viiva muodostaa perustan piirtämiselle.
|
|
| Keltainen ruusu VI
kirjoittanut Ephraim Rubenstein, 2002, grafiittijauhe keltaisella valmistettu paperi, 22 x 30. Yksityinen kokoelma. |
Piirtämisen perusteiden ja viivan yhdistäminen on syvästi upotettu useimpien ihmisten mieliin, niin että taiteen kykyjen yleisin hylkääminen on väsyttävää:”En osaa edes piirtää suoraa viivaa.” Jos pyydät jotakuta piirtämään jotain, hänen piirustusideat ovat aina lineaarisia ja tiukasti sanottuna rajoittuvat ääriviivapiirrokseen. Tämä on järkevää, koska linjat antavat nopean kuvauksen esineistä ja tiedon nopeaan välittämiseen näistä esineistä. Linjat erottuvat ja ovat siksi valtava työkalu selkeyden luomiseen. Alkeellisimmalla tasollaan ne toimivat piktogrammeina - kuten tikkukuvioina - tai jonkinlaisena hieroglifina. Korkeimmalle tasolle, kuten Ingres- tai Degas-piirustuksessa, linjat ovat hienoja - upeita ajoneuvoja muodon, liikkeen ja rytmin suhteen.
Mutta rivikielen kanssa on olemassa äänikieli, kieli, joka ei perustu linjoihin, vaan suhteellisten arvojen rinnalle. Se on maalauksellinen tapa piirtää, nähdä massoissa eikä linjoissa. Tonaalisessa piirtämisessä silmä vetäytyy asioiden reunoilta ja näkee sen sijaan valon ja varjon laikkuja. Vaikka lineaarinen piirtäminen suosii rajoja, tonaalipiirroksen tavoitteena on purkaa nämä rajat ja korostaa valon ja ilmakehän laatua, joka yhdistää kaikki näkökentän esineet. Se on tunnepitoinen, välitön tapa nähdä, läheisesti liittyvä visioon. Pian piirtämisen historian aikana se on uudempi kehitys, joka ilmenee lineaarisesta piirtämisestä. Mutta tonaalinen piirtäminen on kieli, jolla on historiaa ja suuntaviivoa, ja monien nykytaiteilijoiden mielestä sen erottuva ääni on kiehtova.
|
|
| Laura istuu
Hänen aseensa ristissä kirjoittanut Wendy Artin, 2002, vesiväri, 8 x 10. |
Tonaalinen piirtäminen kehittyi lineaarisesta piirtämisestä materiaalien ja käytäntöjen kehityksen kautta. Aikaisemmat piirustusinstrumentit, kuten metalli-kynä ja hanhi- tai variksenkynä, olivat erittäin kovia ja niitä käytettiin yhdessä yhtä epävarmojen pintojen, kuten pergamentin ja sellun kanssa. Kun nämä pinnat antoivat tiensä pellava- ja puuvillalehtipaperien leviämiselle 13. vuosisadalla, laajempien, pehmeämpien työvälineiden käyttö tuli mahdolliseksi.
Tämä kehitys liittyi myös muuttuviin piirtämistarpeisiin ja -tavoitteisiin. Varhaiset piirrokset toimivat pääasiassa maalauksen valmisteluina, ja siksi niillä oli selkeät ääriviivat, jotka voidaan helposti siirtää puulevyihin tai freskoihin seiniin. Niiden piti toimia ensisijaisesti malleina, kuten fresko-sarjakuvissa. Tätä tarkoitusta varten käytetyt piirustukset tarjosivat todellisen edun sillä, että niillä oli selkeät muodot, jotka erottivat yhden muodon toisesta. Mutta kun freskojen koko kasvoi ja kun sarjakuvapaperipaperia tuli entistä enemmän saataville, laajemmat piirustusvälineet, kuten musta liitu, kasvattivat suosiotaan. Koska freskomaalaaminen yleensä antoi tapaa maalata maalausta pellavalle öljyllä, taiteilijat voivat piirtää suoraan kankaalle ja muokata työtä maalausprosessin aikana. Tämän seurauksena palkkioita kiinteästä kaaviosta oli vähemmän. Kun kiinnostus visuaalisen kentän ulkonäköön kasvoi muuttuvilla valon ja ilmakehän vaikutuksilla, muuttui vähemmän tärkeäksi ääriviivojen korostaminen.
|
|
| Opiskelu poika Lincolnille
kirjoittanut Eastman Johnson, 1868, puuhiili, valkoinen liitu ja guassi paperilla, 14 x 12¾. Kokoelma Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan. |
Niin yleisesti kuin historiallisesti, ääriviivat ovat edelleen keinotekoisia. Emme näe viivoissa riippumatta siitä, kuinka olemme tottuneet rajaamaan esineitä heidän kanssaan. Kun katson ikkunasta ja näen rakennuksen reunan taivasta vasten, en näe sinänsä viivaa. Näen tumman sävyn massan vieressä paljon vaaleamman sävyn massaa vastaan, ja kohta, jossa he kohtaavat, luo reunan. Tätä reunasuhdetta voitaisiin kuvata lyhennettynä viivan kanssa, mutta sitä voidaan myös kuvata tarkemmin luomalla uudelleen äänisuhde niiden kahden massan välille, joiden yhtenäisyys tekee reunan. Tonaalisessa piirtämisessä massoilla on reunoja, eikä niiden välisiä viivoja. Rivin korvaaminen arvosuhteen reunalla on korvata sellainen, jota ei ole olemassa, sellainen, joka on. Siksi lineaarinen piirtäminen näyttää abstraktimmalta ja älyllisemmältä. Linja ei näytä älykkäältä, koska sillä ei ole tunnea - mikä voisi olla tunnepitoisempaa kuin Leonardo hopeapistelinja -, vaan koska emme oikeastaan näe viivoja ja siksi ne on dekoodattava tai tulkittava. Yhdensuuntaiset sävyt, jotka ovat niin paljon lähempänä visioita, vaikuttavat paljon välittömämmiltä.
Sen lisäksi, että Leonardo oli ylenmääräinen lineaarinen piirtäjä, hän oli myös keskeinen hahmo tonaalipiirroksen syntyessä. Hän työskenteli aikaan ennennäkemätöntä uteliaisuutta näkökentän suhteen tutkia mitä silmä todella näki. Tämä mielenkiinto osui samaan aikaan öljyvärimaalauksen leviämisen kanssa, mikä puolestaan sai aikaan öljyvärimaalauksen leviämisen, joka antoi taiteilijoille tekniset välineet näiden havaintojen tallentamiseksi. Leonardo-aikakaudella tapahtui todellinen muutos objektien näkemisestä symboleina niiden materiaalitodellisuuden huomioimiseen. Leonardon kirjoitukset ovat täynnä havaintoja siitä, kuinka esineet näkevät silmän, valosta ja varjoista sekä ilmakehän ja etäisyyden lieventävistä vaikutuksista. Suuri osa tästä ajattelusta tuli hänen optiikan ja maiseman ilma-perspektiivin tutkimuksesta. Joten kun hän neuvoo taiteilijoita luonnon maalaamisesta, hän kirjoittaa teoksessaan Maalauksesta puhtaana tonalistina:”Minkä tahansa värin loppu on vasta toisen alku ja sitä ei pidä kutsua viivaksi, sillä mikään ei ole niiden välillä., lukuun ottamatta toisen päättämistä toisistaan, mikä ei ole sinänsä mitään, ei voida havaita.”Leonardo pystyi lopulta ottamaan öljymaalauksessa tekemänsä löytöt ja soveltamaan niitä piirtämiseen. Hän jatkaa:”Varo, että varjot ja valot ovat yhtenäisiä tai kadonneet toisiinsa ilman kovia iskuja tai viivoja; kun savu menettää itsensä ilmassa, niin valot ja varjot kulkevat yhdestä toiseen ilman mitään näkyvää erottelua."
|
|
| Isäni 93-vuotiaana
kirjoittanut Carlos Turbin, 2004, grafiittijauhetta valmistetussa paperi, 16 x 13½. |
Tästä tuli viime kädessä henkilökohtainen estetiikka Leonardolle, tapa tulkita ja esitellä luontoa yhtä paljon kuin tapa nähdä se. Hänen nimestään on tullut synonyymi sfumato (savumainen ilmapiiri), joka kylpee kaikkea työssään. Neitsytpääpäässä kolmen neljänneksen näkymässä oikealle päin, hänen päänsä nojaa myönteisesti piirustukseen, tummat lukot asettuvat alaspäin kuin juokseva vesi. Ja todella, kun savu menettää itsensä ilmassa, hän ilmestyy omaan ilmapiiriimme, kuin olento jostain ystävällisemmältä ja sulavammalta kuin täältä. Tonaaliset gradientit ovat niin herkkiä, että lähikuvasta ei voi tietää, mihin varjo loppuu ja valo alkaa. Toisin kuin useimmat Florentine-aikakautensa, Leonardo ei tuntenut tarvetta heittää linjaa kaiken ympärille, vaan pikemminkin hän antoi asioiden sulautua, liueta, kehittyä ja mennä naimisiin kuten visuaalisessa kentässä.
Muita tietä tonalismin suuntaan syntyi kasvavasta kiinnostuksesta kuvata epätavallisia valon vaikutuksia, kuten tulipalojen, kynttilän tai kuutamon valaisemissa yökuvissa. Yksi tällainen huomattava varhainen esimerkki on Guercinon piirustus yhdelle hänen freskoilleen Casino Ludovisissa. Istuva nainen, joka lukee kirjaa, on tutkimus yön allegoraalille hahmolle, joka vie yhden pohjakerroksen lunetteista. Hänen roolinsa Yön ruumiillistumisena ja Guercinon kiinnostuksesta tähän erityiseen valaistusolosuhteeseen aiheutti siirtyminen tonaaliseen ajatteluun. Tärkeää tässä ei ole niinkään hahmon aihe tai sen mittasuhteet, vaan se, kuinka hänet valaistaan. Tässä tutkimuksessa itsensä valon vaikutuksesta on tullut työn aihe, ja vaaleiden ja tummien laikkujen käytöstä on tullut paljon tärkeämpi kuin alkuperäinen lineaarinen perusta. Myöhemmin esimerkki samasta ilmiöstä esiintyy Eastman Johnsonin maagisessa tutkimuksessa The Boy Lincolnille, hiilen ja valkoisen liidun piirustukselle, joka kuvaa Abraham Lincolnia poikana lukemassa tulen valossa.
|
|
| nimetön
kirjoittanut Diego Catalan Amilivia, 2005, grafiitti, 18½ x 14. Kokoelma Taideopiskelijoiden liigan New Yorkista, New York, New York. |
Toinen tekijä, joka auttoi vähentämään siirtymistä kohti tonaalisuutta, oli piirtomusteiden leviäminen idästä, etenkin Kiinan tai Intian mustepiirustuskeppien käyttöönotto 1700-luvulla. Erittäin kannettavia näitä musteita voitaisiin käyttää ulkona maisemapesupiirustuksissa, joissa valon ja varjojen ohimenevien vaikutusten kaappaaminen on ensiarvoisen tärkeää. Kiihtyvä pleirimaisemaliike provosoi tonaalisemman näkemisen, koska se perustuu paljon enemmän siihen, mitä taidehistorioitsija Heinrich Wölfflin nimitti kirjassaan Taidehistorian periaatteet (Dover Publications, Mineola, New York) esineiden”muuttuvaksi näkökulmaksi”). Kun taas studiossa oleva hahmo tai asetelma-esine pöytätasolla ovat tunnetut jollain tasolla, sumussa oleva puu tai joen pinnalta hehkuva auringonvalo ei ole.
Georges Seuratin uskomattomalla mustalla Conté-värikynäpiirustuksella, joka tehtiin suositulle Ingres-paperilleen, murtui ääni tonaalisuuden käsitteestä auki. Yhtäkkiä taiteilijat tajusivat mahdollisuudet nähdä vain pelkästään vierekkäin olevien vaaleiden ja tummien laikkujen muodossa. Koskaan aikaisemmin ja harvoin sen jälkeen ei ole ollut tällaista puhtaan näkemisen tekoa. Jos kaikki piirtäminen koostuu jonkin yhdistelmän tallentamisesta siitä, mitä näemme ja mitä tiedämme esineistä tai visuaalisesta kentästä, niin Seurat piti näkemistä yli tietämisen ennennäkemättömässä laajuudessa. Hän katsoi luontoon ikään kuin ei tiennyt mitä mikä oli, mutta pystyi vain havaitsemaan sen muodon ja sävyn. Hän näki maailman ensisijaisesti siluetin ja arvon järjestelyinä ottaen huomioon koko näkökentän, ei vain esineen. Hänen piirustuksensa ovat taiteilija Mark Karnesin mielestä”voimakkaasti demokraattisia. Vaikuttaa siltä, että valo väittää, että valo ei syrji yhtä tai toista asiaa - se on vain olemassa kaikissa asioissa koko ajan."
Seurat pystyi ajamaan puhtaasti arvojen näkemistä pidemmälle kuin mitä koskaan oli aikaisemmin painotettu. Mutta edes hän ei ollut dogmaattinen koskaan käyttäessään viivoja tai ajatusta, että lineaarisilla ajatuksilla ei voisi olla tärkeätä roolia tonaalipiirroksen jäsentelyssä. Itse asiassa se on usein jännitys lineaaristen ja tonaalisten elementtien välillä, mikä tekee piirustuksesta jännittävän. Erityisen varhaisessa vaiheessa Seurat käytti itseään eräänlaiseen kalligrafiseen kirjoitukseen tietyillä tonaalisilla alueilla, jotka loivat tekstuurin ja energian. Monet taiteilijat, kuten Francis Cunningham, käyttävät herkkää alkujohtoa perustaakseen perusmuodot ja niiden sijoittelun sivulle. Mutta tämä ääriviiva toimii suurelta osin karttana, joka kertoo hänelle, mihin sijoittaa arvonsa, kun hän alkaa liittoutua sävylle. Koska Cunninghamin piirustukset ovat usein erittäin hieno ja ehdottava, kourallinen arvoja riittää luomaan koko maailman. Alkuperäisen kappaleen jäännökset alkavat sitten toimia foliona osoittaaksesi kuinka paljon työtä kourallinen arvoja on suoritettu.
|
|
| Taiteilijan äiti
kirjoittanut Georges Seurat, 1882-1883, Conté, 12? x 9½. Kokoelma Metropolitan Taidemuseo, New York, New York. |
Edwin Dickinson, yksi suurimmista nykyaikaisista piirtäjistä, käyttää myös äänirajoissaan satunnaisia viivoja. Ne toimivat, kuten Cunninghamin tapaan, alkuperäisenä kartana tai myöhemmin piirustusprosessissa tapana löytää kadonneen arkkitehtonisen elementin löytämiseksi tai uudelleenmuodostamiseksi. Saavuttaa myös tunne, että Dickinson asettaa satunnaisia viivoja visuaalisin välimerkkein - saadaksesi silmäsi, johtamaan sen jonnekin, hidastamaan sitä tai estämään sen. Nämä lineaariset ajatukset ovat ratkaisevan tärkeitä piirroksen jännitykselle, vaikka ne esiintyvät korostuksina loistavan, pehmeän sävykentän yhteydessä, joka kantaa piirustuksen ilmaisutaakkaa.
Tonaaliset piirtämisoikeudet näkemisen tuntemisen edessä - näennäinen aihe, "mikä se on" - ei ole niin tärkeitä kuin "miltä se näyttää." Kuten taiteilija ja ohjaaja Charles Hawthorne huomautti, kaikki tietävät, että pala hiiltä on tumma ja avoimen kirjan valkoiset sivut ovat vaaleita. Mutta voitaisiin sijoittaa musta hiili auringonvaloon ja upottaa avoin kirja syvään varjoon ja arvo-suhteet kääntyisivät toisiinsa. Esine voidaan sisällyttää niin varjoon, että emme edes tiedä mikä se on. Tonaalinen piirustus, koska siinä korostetaan näkemistä, jättää sinut avoimeksi visuaalisen maailman odottamattomuudelle, arvaamattomalle. Se saa sinut oikein maistelemaan keskellä taistelua sen välillä, minkä uskot olevan siellä ja mitä siellä todella on.
Francis Cunninghamin kahdessa drapeetutkimuksessa drapeeri on pikemminkin tilaisuus kuin piirustuksen aihe. Cunningham on vähentänyt esineiden objektiivista todellisuutta - tuolia, verhoja, mallitelinettä - vaikka ne ovat tunnistettavissa ja muodostavat tärkeän osan teoksesta. Mutta esineiden järjestely, niiden synnyttämät rytmit, toisessa hehkuva valo ja toisessa varjon sinfoninen lakaisu - nämä ovat piirustusten teemoja. Teokset tuovat eturintamaan totuuden, että kokemus on pohjimmiltaan abstrakti, että se, mitä näemme, on valo ja varjo, jopa kun tunnustamme esineet niissä.
Tämä näkökentän demokraattinen tarkastelu, niin yksinkertainen kuin miltä näyttää, on vieras useimpien ihmisten käsitykselle piirustuksesta, jolla on taipumus erottaa esineitä. Ajattele akateemista hahmon piirtämistä, jossa hahmo poistetaan kontekstistaan eristämällä se tyhjälle kentälle. Ja vaikka tämä yksinäisen esineen karanteeniminen voi tehostaa sitä koskevaa tarkasteluamme, tulemme usein tuntemaan tilanteen luontaisuudesta voimakkaammin kuin objektin todellisuus. Figuurin muoto, niin kaunis kuin se voi olla, toimii eräänlaisena eristyksenä, vetäen esineen juoksevasta kappaleesta ja elämän virtauksesta. Tonaalipiirroksen tarkoituksena on palauttaa esine takaisin kontekstiinsa ja nähdä se suhteessa kaikkeen ympärillä olevaan.
Mark Karnes on mestari tällä piirtosuunnan piirteellä. Siirrät Karnes-piirustuksen poikki sen sijaan, että katselet yhtä asiaa siinä. Kaikki hänen piirustuksissaan olevat asiat määräytyvät sen mukaan, mikä on heidän vieressään. Toisin kuin akateemisen piirustuksen hierarkia, jossa sinua pyydetään tarkastelemaan yhtä asiaa ja vain yhtä asiaa, tässä on tärkeätä asioiden suhde, kun ne tulevat yhteen. Talvipuu voidaan tunnistaa vain sen takana olevan tumman katon ansiosta; rakennuksen massiivisempi varjo päällä on täysin riippuvainen alla olevan puun herkemmästä varjosta.
Karnesin työ on jyrkkä näkeminen. Sen sijaan, että piirtäisivät taloa tai autoa, Karnes piirtää tilan ja tietyn tyyppisen valon, jolla sattuu olemaan talo ja tällä hetkellä auto siinä. Ilmapiiri on valloitettu niin kauniisti, että tunnemme, että olemme olleet siellä, vaikka emme olisi, ja kuva laajenee mielessämme kuin pysyvä muisti. Karnes tekee myös lukemattomia mustesuihkututkimuksia häntä kiinnostavista aiheista. Kuten Claude ja Constable, Karnesin mielestä muste on uskomattoman välitön materiaali. Se lyhentää aikaa kohteen näkemisen ja sen tallentamisen välillä, joten hän voi vastata siihen suoranaisesti, jota ei voida käyttää millään muulla välineellä. Tätä varten hän pitää nämä tutkimukset erittäin pieninä, jotta hän voi antaa periksi impulssille eikä tarvitse huolehtia suuremman teoksen rakenteen hallitsemisesta. Se on kaikki luettavissa yhdellä silmäyksellä sivulle.
Paljon samaa voidaan sanoa Wendy Artinin ihastuttavista figuureista akvarellien pesussa. Hänen vastauksensa valon ja varjon kuvioihin, kun ne osuvat ja kuvaavat figuuria, on niin välitön, että tunnemme katsomme jotain todella liikkeessä. Hänen mallinsa tanssivat edessämme - ensin he ovat siellä ja sitten he eivät ole. Hän ilmaisee hehkuuntumisensa solmimalla naamalla hahmon vaalean puolen paperilla, jotta muoto voi tulla varjopuolelle harjan hienolla pesulla. Ja vaikka ne hehkuvat valolla ja liikkuvat kuin salama, alla kuvataan uskottava hahmo. Artin ei koskaan menetä rakennettaan tai vaaranna hahmojensa olennaisuutta. Tämä yhdistelmä liikettä ja tunnettavuutta tekee niistä niin äärettömän aistillisia ja siroisia.
Kuten maalaus, loistava sävypiirros voidaan lukea 50 metrin päässä. Reid Thompsonin dramaattinen seisova hahmo nähdään siluettoituneena valoa vasten, ja piirustuksessa kaikki yhtye hehkuvaan taustavaloon, joka kehättää mallin pään, hartian ja rinnan reunan. Ohjauksen puolivälissä Thompson massoi ja tummensi hahmoa ympäröivää kenttää kaiken vieraan poistamiseksi. Tämä kyky lisätä elementtejä, ottaa ne pois, vaalentaa tai tummentaa kokonaisia massoja ja tehdä huomattavia muutoksia matkan varrella tekee tonaalipiirrosta erittäin houkuttelevan maalareille. Se on prosessin suhteen hyvin lähellä maalausta ja on erittäin maalauksellinen ajattelutapa.
Tonaalipiirroksen tutkimiseksi on tärkeää käyttää materiaaleja ja menetelmiä, jotka soveltuvat tonaaliseen ajatteluun. Hopeapisteinen kynä tai kova grafiittikynä eivät tee työtä, koska nämä instrumentit on tarkoitettu linjojen laskemiseen. Mutta esimerkiksi grafiitti on jauhemaista. Sitä voidaan käyttää kanolla tai säämiskällä massoissa, joissa ei ole lainkaan linjoja. Tällä tavalla työskenteleminen tuntuu melko mustalta ja valkoiselta maalaamiselta. Toisin kuin hiili, joka on kuivempi ja jolla on taipumus lentää pois ja hajottaa, grafiitilla on hiukan öljyinen laatu, joka tarttuu sinne, missä se asetetaan paljon tarkemmin. Tämän vuoksi se pystyy tuottamaan suurta herkkyyttä ja yksityiskohtia.
